Carretera Perdida

Director: David Lynch
Año: 1997 País: EE.UU Género: Thriller/Intriga Puntaje: 08/10
Interpretes: Bill Pullman, Patricia Arquette, Balthazar Getty y Robert Blake

Fred Madison (Bill Pullman), un saxofonista, se encuentra envuelto en un extraño misterio al descubrir que su esposa Renee (Patricia Arquette) ha sido asesinada en su propia casa. La secuencia de su homicidio ha sido captada por una cámara cuyas imágenes son reproducidas en el magnetoscopio de Fred. Al verlas, el saxofonista entiende que podría ser el criminal. A partir de entonces, entra en un mundo paralelo, al albur del juego propuesto por un sádico gángsters llamado Dick Laurent.

El juego de deconstruir la realidad en elementos simples para volver a reconstruirla en un mundo igualmente complejo pero sin relación con el anterior parece ser el entretenimiento favorito de David Lynch. En “Carretera Perdida” esto se vuelve un juego interminable e incluso desesperante. Es por ello que no es una apuesta segura entrar a descifrar la estrategia detrás de los movimientos del David Lynch, es un director que concede muy poco a quien se enfrenta a sus películas, ya que te hace dar vueltas alrededor de un vacío, donde todo la trama está atada a un momento crucial del cual te da pocas o ninguna pista.

Los toques de humor negro y los personajes extravagantes constantes en la filmografía del director también se dan cita aquí, como en la hilarante secuencia en la que el mafioso es adelantado por otro automóvil a toda velocidad. Antes de ser adelantado, ese coche se "pega" demasiado al suyo por detrás, lo que enfurece al personaje de Loggia y decide perseguirlo, hasta que consigue empujarlo fuera de la carretera y hacerlo parar. Inmediatamente, el mafioso se baja del coche, se acerca al tipo que lo adelantó y empieza a golpearlo brutalmente, realmente fascinante.

Esta discutible filme se tambalearía si considerásemos que la historia no está contada con una estructura lineal, una opción más que posible en el universo "lynchiano". En cualquier caso, más allá de la explicación o no de lo que realmente ocurre, a esta película no hay que valorarla por lo que nos cuenta, sino por cómo nos lo cuenta. Lynch aplica en la primera parte de la película (hasta que se produce la detención) mucha calma, mucha lentitud, y mucho silencio (tan sólo roto cuando vemos una brutal escena en la que Pullman toca el saxo frenéticamente, como insinuando que ha caído en la locura).

Mientras que en la segunda parte se produce el desenfreno, la caída a los infiernos de la locura más extrema y los extraños sonidos cacofónicos. Desde luego, la música (obra del extraordinario Angelo Badalamenti) y la imagen forman un perfecto conjunto capaz de dejar perplejo a cualquiera. Lynch dirige un film cuyo objetivo primordial es producir sensaciones perturbadoras en el espectador a través del contraste entre la calma y la sugestión con la locura de la violencia, el sexo y el crimen más desatado, acompañado por una música estridente que logra incrustarse en los oídos.

David Lynch una vez nos deleita con una perturbadora y onírica película, a través de un guión circular y una historia deformada, como si hubiese sido pasada por el laberinto de los espejos de un espectáculo ambulante, de un circo de los horrores. Señoras y señores, pasen y vean. El espectáculo está garantizado...Aquí el trailer.

"Otro fascinante cuento de Lynch; enigmática, claustrofóbica y circular”

Expiación, Deseo y Pecado

Director: Joe Wright
Año: 2007 País: Inglaterra
Género: Drama/Romántico Puntaje: 08/10
Interpretes: Keira Knightley, James McAvoy, Romola Garai, Saoirse Ronan y Vanessa Redgrave

En el verano de 1935, Briony Tallis (Saoirse Ronan), una precoz escritora de 13 años, cambia irremediablemente el curso de varias vidas cuando acusa al amante de su hermana mayor Cecilia (Keira Knightley), al joven Robbie Turner (James McAvoy), de haber cometido un crimen en el que no tuvo nada que ver... Los productores y el realizador de "Orgullo y prejuicio" vuelven a unirse en este aclamado drama basado en la premiada novela del 2002 del mismo título.

Luego de la adaptación de “Orgullo y prejuicio”, Joe Wright vuelve a contar con Keira Knightley en un interesante papel que lejos está del verdadero rol protagónico de la película, a cargo de Saoirse Ronan y Romola Garai, mas una participación al final de Vanessa Redgrave. Todas ellas interpretan a Briony Tallis, el personaje de la hermana de Cecilia (Knightley), quien carga con todo el peso dramático del guión y de la novela homónima. Una pequeña pero compleja anécdota, la mentira de la joven Briony que lleva a prisión a Robbie, el novio de su hermana, y termina separando a ambos.

Esto sirve de base para cruzar temas vinculados con la moral victoriana, el amor y la religión, con la Segunda Guerra Mundial como telón de fondo. La trama cambia 100% cuando se empieza a relatar la participación de Robbie en el ejército, y pinta escenas con un tono bello, cuasi bucólico (el mismo que tiñe todo el relato). Un punto a favor ala película también es la música ya que cuenta con un diseño sonoro funcional e inteligente, las teclas de la máquina de escribir de Briony sirven de para dar ritmo al filme.

Nos encontramos ante una película que es puro cine británico, tanto en la concepción de la historia (basada en el libro de Ian McEwan), como en la de los propios personajes, la puesta en escena. El filme es de ritmo pausado, el director se toma su tiempo para mostrarnos a los personajes, esto hace que en ciertos momentos se haga un poco pesada la historia, pero son momentos que pronto se esfuman ante la aparición de alguna sorprendente escena, y es que Joe Wright tiene mucho futuro si continúa dirigiendo así, ya que la película, a nivel de encuadres, colocación de cámara, etc.... creo que es perfecta (y yo no es que sea un gran entendido, pero es que el tipo sabe colocar la cámara, de eso no me cabe la menor duda).

Ahora creo que es el momento de hablar de la que para mí es realmente la protagonista, y esa es sin duda Briony Tallis, la hermana pequeña de Cecilia, y a la que interpretan a lo largo de la película tres actrices diferentes, cada una en una etapa de edad del personaje. Para la niñez la actriz es Saoirse Ronan, la cual me dejó impresionado sobre todo por la intensidad de su mirada, y es que la niña lo hace genial, mostrándonos a un personaje un tanto cruel e irresponsable, que no mide (ni entiende) las consecuencias de sus actos. Para la juventud la actriz elegida es Romola Garay, en la que se podría describir como el rostro de la culpa, una Briony que ya ha llegado a comprender las consecuencias de sus acciones.

Por último está la Briony anciana, en la que se nos muestra una excelente Vanessa Redgrave, sinceramente, la actuación de esta última, aunque breve, es realmente arrolladora, increíble, sin duda es la mejor de todas las Briony, su aparición es más que emotiva. En cuanto al resto del reparto, pues todos lo hacen maravillosamente bien, el casting es perfecto. En definitiva, estamos ante una gran película cuyo mayor defecto es su lentitud, pero que se ve suplido por unas fantásticas interpretaciones y una cuasi perfecta dirección. Aquí el trailer.

"Un filme desgarrado y doliente a lo largo de su metraje”

El Efecto Mariposa

Directores: Eric Bress y J. Mackye
Año: 2004 País: EE.UU Género: Thriller/Drama Puntaje: 08/10
Interpretes: Ashton Kutcher, Amy Smart, Kevin Schmidt, Melora Walters y Elden Henson

Trepidante y alucinante filme de corte independiente, Evan Treborn (Ashton Kutcher) , un joven que se está esforzando por superar unos dolorosos recuerdos de su infancia, descubre una técnica que le permite viajar atrás en el tiempo y ocupar su cuerpo de niño para poder cambiar el curso de su dolorosa historia. Sin embargo también descubre que cualquier mínimo cambio en el pasado altera enormemente su futuro.

"El efecto mariposa" es una de esas películas que parten de premisas que en principio suelen agradar al público. En este caso nos encontramos con una historia en la que un niño sufre una enfermedad que le hace olvidar parte de sus recuerdos, siendo algunos de ellos ciertamente dramáticos y capaces de marcar desde la infancia a cualquier ser humano (la existencia de un pedófilo o el hecho de que aquello que comienza como una simple broma, introducir un potente petardo en el buzón de una familia, se pueda tornar en des-gracia cuando éste es abierto por una mujer que lleva a su bebé en brazos; dicho pasaje, expuesto a través de un “flashbacks”, es uno de los claros aciertos de la narración que acometen los directores y guionistas de la cinta.

Es una película que se deja ver y que incluso a ratos entretiene, aparte de plantear cuestiones interesantes, ya no tanto por referirse a los manidos viajes en el tiempo y a sus consecuencias, sino por el hecho de que al finalizar su metraje se revela en nuestras mentes una pregunta que a cualquier persona se le puede haber presentado alguna vez a lo largo de su vida: ¿y si pudiéramos regresar al pasado y conseguir con ello cambiar algún indeseable suceso de nuestra existencia? ¿Qué consecuencias provocaría ello y hasta qué punto resultaría imposible subsanar ciertos errores del ayer? Desde este punto de vista, "El efecto mariposa" se convierte en una obra interesante, mas es evidente que su desarrollo no deja al espectador del todo satisfecho, pues éste tiene la sensación de que en verdad se le pudiera sacar algo más de provecho a tan jugosa idea.

Durante su media hora inicial casi no vemos a Ashton Kutcher, ya que se nos cuenta la historia justo cuando su personaje es más joven, aparte de sucederse un buen número de “flashbacks” que provocan que su aparición en la pantalla se reduzca. Pero aunque sea un poco forzada la actuación de Kutcher, este no desafina en el metraje. El trabajo de Amy Smart es sin duda más meritorio, puesto que el carácter de su personaje varía según sea el modo en que Evan transforma su pasado y el de los que lo rodean. Finalmente, destacar la eficacia de los fragmentos dramáticos de la partitura (el protagonista golpeando a Tommy), que, no obstante, cae en lo convencional cuando el compositor utiliza tonalidades misteriosas y enigmáticas.

Cada situación que se les presenta al personaje de Kutcher es una especie de recuento, de tópicos ya vistos en el cine, pero que puestos en escena se hacen magistrales, pudiendo ver en retrospectiva el porque de esas situaciones; para mi es uno de los guiones mas originales que se hayan escritos, la calificación que le di a la película de fue excelente, puede que no sea un drama de tres horas o que este protagonizada por actores semidesconocidos, y que este dirigida aun cine palomitero, pero para mi es toda una obra maestra, con un ritmo trepidante y que en ningún momento se convierte en una película aburrida, no juzguen a esta película solo por su protagonista, véanla desde otra perspectiva y como cada una de las situaciones que se presentan a lo largo del filme.

A veces pensamos que las decisiones que tomamos en la cotidianidad no afectan en nada en nuestras vidas, el efecto mariposa tal vez no será reconocida, como una obra maestra, pero al menos si tiene un sitial muy alto en las llamadas películas de culto. Como punto aparte en mi critica por favor a los que le haya gustado esta película no se les ocurra ver una secuela bastante pobre que salio directo en formato de video, se los advierto es demasiado mala, siendo una copia burda y barata, pero volviendo con esta película te hará reflexionar con un final muy bien logrado. A continuación el trailer.

"Disparatada y delirante somete al espectador a un suplicio de inconcebibles vueltas de guión"

Perdidos en Tokyo

Directora: Sofia Coppola
Año: 2003 País: EE.UU Género: Comedia/Drama Puntaje: 09/10
Interpretes: Bill Murray, Scarlett Johansson, Giovanni Ribisi y Anna Faris

Una de las mejores películas de los años 2000 y la consagración de la hija de Francis Ford Coppola como directora, la historia se basa Bob Harris (Bill Murray) un conocido actor norteamericano de capa caída que acepta participar en un anuncio de whisky japonés para ello va Tokio. En su visita a Japón, experimenta un considerable choque cultural. Precisamente en el bar del hotel conoce a Charlotte (Scarlett Johansson), una mujer de veintitantos años que está casada con un joven fotógrafo. Éste se encuentra en Tokio cumpliendo un encargo profesional y, mientras trabaja, su mujer distrae el tiempo como puede. Además del común aturdimiento ante las imágenes y los sonidos de la inmensa ciudad, Bob y Charlotte comparten el descontento con sus vidas.

“Perdidos en Tokio” significa la confirmación que Sofia Coppola posee una sensibilidad no propia de este mundo, una historia de alegres perdedores que buscan algo que les de sentido a su vida. Es la historia de Bob Harris, un antihéroe de los antiguos, para quien dejar es el sinónimo mayor del amor. Una historia contradictoriamente de encuentros más que de pérdidas. Y todo esto ocurre en un lugar multicultural como es Tokyo, que es testigo dos almas parecidas que se encuentra por casualidades de la vida.

El primer plano del film es impactante: la cámara fija en un joven culo femenino, estático, después gira hacia la izquierda recorriendo la espalda de la protagonista. Ese es el primero de muchos planos que revelan la delicadeza de Coppola a la hora de la composición, también son muy buenos los registros de los breves encuentros entre Bob y Charlotte, Coppola ejerce la magia de la imagen. Lo logra también al fotografiar el extrañamiento de la atmósfera de Tokyo, con sus luces, muchedumbres y bares bizarros, en los espacios indescifrables donde reside lo que se pierde en la traducción.

Entre otras, “Perdidos en Tokyo” narra una historia de amor. No hay mapas para orientarse en esa relación sin nombre que nace de miradas, de encuentros en el bar, y se desarrolla entre silencios, escapadas cómplices, recorridas por esos espacios ajenos, hasta llegar a un entendimiento, a una intimidad que atraviesa los treinta años que los separan y es superior a la de tantas parejas convencionales que vemos en el cine. Basta ver la hermosa escena en que Bob canta “More than this” en un karaoke dedicada a Charlotte, para entender que se vive un momento de alta expresividad y comunicación. O el elocuente, maravilloso plano que toma a ambos en la cama, donde un mínimo roce de una mano está cargado con un amoroso erotismo pocas veces visto.

Sobre la última conversación que tienen al oído, sobre la sonrisa de Charlotte perdiéndose entre tanta gente. El triunfo de la derrota se me ocurre. Y es que aparentemente todo estaría construido para acabar como siempre acaban las películas. Tenía miedo que Sofía Coppola arruine en dos minutos todo. Pero no. “Perdidos en Tokyo” no termina como comedia romántica y menos se convierte en esas películas que anulan al espectador, que lo invitan a no pensar, que convierten al cine en un plano espectáculo de minutos. La película termina con la satisfacción de la consecuencia, con la renovación de alguna esperanza, casi igual a la alegría nostálgica del ocaso del verano.

Esta película hace todo casi perfecto. Crea atmósferas, pone la música exacta, elige a los actores indicados. Quizá el único pero que se le pueda poner a la película es aquella imagen ridícula que se tiene de los japoneses. El prejuicio: bajo, ridículo, copión es expuesto en algunas partes de la película. No creo que haya mala intención en la película, pero igual es muy buena. Aquí el trailer.

“Comedia vivificadora, de gran vuelo lírico y poderoso calado irónico"

Up, Una Aventura de Altura

Director: Pete Docter y Bob Peterson
Año: 2009 País: EE.UU Género: Animación Puntaje: 10/10
Productora: Disney/Pixar

Una nueva maravilla de los estudios de Pixar, narra la historia de Carl Fredricksen un vendedor de globos de 78 años que decide cumplirle el sueño a su esposa (que esta muerta) y llevar su casa hacia las Cataratas del Paraíso mediante la incorporación de miles de globos atados a la chimenea de la misma. En el vuelo un pequeño e inquieto explorador va a ser su acompañante y juntos van a tratar de cumplir su objetivo.

Con su décima película, no vale destacar una vez más el ingenio y la excelente labor de los responsables que hay detrás de la marca Pixar, sino que hay que alabarlos por mantener la calidad y el espíritu que los caracteriza film tras film al pasar los años. "UP" es sencillamente una de las mejores películas de esta productora, una cinta llena de buenos momentos de comedia, pero que por sobretodo presenta un alma que muy pocas películas actuadas logran desarrollar, un mensaje bellísimo y como siempre personajes delirantes que van a ser recordados con paso del tiempo.

El film empieza mostrando, en blanco y negro, la inocente historia de la infancia de Carl, todo su pasado hasta que se llega al presente. Esos primeros veinte minutos son los más emocionantes de toda la película y uno de los pocos ejemplos del cine que ni bien empezada la proyección la emoción se apodera de las lágrimas del espectador. Increíble escena inicial, muy delicada, tierna y emotiva. Realmente una delicia para la retina. (también recomiendo ver el corto que viene con esta peli se llama "Partly Cloud", es una verdadera obra maestra).

El film básicamente narra los hechos de un hombre mayor y solitario que al habérsele pasado la vida por delante trata de cumplir su mayor sueño y regalárselo a su querida esposa, pero a su vez se junta con un pequeño niño, solitario, con problemas familiares, cuyo único objetivo es tratar de cumplir su sueño, tener una insignia más en su pechera. Los dos tienen fantasías y esperanzas en la vida, sean grandes o chicos, siempre hay oportunidades para poder cumplirlas, solo es cuestión de empeño por hacerlas realidad.

Todo lo que sucede se basa en la vida real, en la superación de problemas. Hoy estoy bien, mañana estoy mal, pero pasado estaré mejor. Todo está tomado desde un punto de vista muy delicado y verosímil, contando cada uno de los problemas y vueltas que la vida te ofrece, porque es eso, la vida nos hace enfrentar problemas todos los días y es solo cuestión personal el tratar de superarlas y seguir adelante. Hay cuestiones, como la perdida de los hijos del ave, que solamente Pixar puede desarrollarlas con tal profundidad hasta llegar a las lagrimas. Mensajes para pensar y reflexionar.

"Up" es en simples palabras una obra de arte, otra de las joyas de Pixar. Un film que es mucho más que tan solo un angustiado anciano que se va al exterior en una casa llena de globos. Una película muy tierna y con un mensaje muy fuerte. Con escenas cómicas muy bien logradas, personajes que quedaran en la historia y con una belleza ambiental inigualable. Una de las mejores películas de la productora y una de las más inteligentes y sólidas propuestas de este 2009. ¿Cuando sabemos que hemos alcanzado el sueño que queríamos cumplir: cuando tu mente te lo dice o cuando el corazón lo afirma? A no perdérsela. Aquí el trailer.

" Maravillosamente divertida y conmovedora"

Batman: El Caballero de la Noche

Director: Christopher Nolan
Año: 2008 País: EE.UU Género: Acción/Thriller Puntaje: 10/10
Interpretes: Christian Bale, Heath Ledger, Aaron Eckhart, Michael Caine, Gary Oldman, Maggie Gyllenhaal y Morgan Freeman

La mejor película de superhéroes que se ha filmado hasta ahora, Batman (Christian Bale) regresa para continuar su guerra contra el crimen. Con la ayuda del teniente Jim Gordon (Gary Oldman) y el Fiscal del Distrito Harvey Dent (Aaron Eckhart), Batman tiene como objetivo destruir el crimen organizado en la ciudad de Gotham. El triunvirato demuestra ser eficaz, pero pronto termina siendo presa del caos desencadenado por una nueva mente criminal que los aterrados ciudadanos conocen como El Guasón (Heath Ledger).

El director Christopher Nolan nos deja de sorprendernos. En “Batman: El caballero de la noche” nos ofrece mucho más que una película de acción basada en un cómic. Esta vez ha elaborado una contundente parábola sobre el enfrentamiento del bien y el mal, pero llevando los principios morales de los seres humanos a los más inquietantes extremos. Un trabajo único que supera ampliamente a su precuela “Batman Inicia”.

Siniestra. Así es la premisa sobre la que se van trazando las imágenes de “Batman: El caballero de la noche”. Y lo es porque Christopher Nolan parte de un oscuro planteamiento: la presencia de Batman en Ciudad Gótica, lejos de acabar con los delincuentes, ha exaltado tanto los ánimos del crimen organizado que ha conseguido fortalecer aun más las redes del bajo mundo causándole sentimientos encontrados.

Todo ello hace del Guasón (Heath Ledger) el verdadero espectáculo del filme. Ledger ofrece una verdadera creación, un personaje que responde en un primer momento a un acertado diseño de sus creadores pero que el actor lo va desarrollando con asombroso dominio de escena. No es un villano, ni un psicópata, ni una simple amenaza para las fuerzas del bien que encabeza Batman. Su Guasón es el mal mismo. Está más allá de lo humano. Es la perfecta encarnación de las fuerzas malignas desatadas para crear caos y confusión. Para corroer y corromper. Es físico y mental al mismo tiempo. Y su poder devastador por momentos parece contaminarnos.

Por eso el filme es en gran parte un triunfo tanto de Ledger como del Guasón. Porque al imponer su presencia como eje de los acontecimientos convierte al universo del filme en una suerte de territorio del mal. Y a ese efecto tan logrado se debe la conclusión pesimista de toda la parábola orquestada por Nolan. No menos interesante es el personaje del fiscal de distrito Harvey Dent (Aaron Eckhart) que pasa de ser el idealista político, hombre de acción y excelente estratega, a amargada víctima de las circunstancias. Pero igual esto no desmejora este gran filme.

Nolan ha creado con “Batman: El caballero de la noche” un prodigio fílmico que me recuerda en gran medida “El Paraíso perdido”, de John Milton, donde el demonio toma por asalto el mundo para corromper al hombre y convertirlo en fugitivo de su propia consciencia. Un filme conmovedor, tremendo en su discurso y cuyo desesperanzador final nos llena de los sentimientos más encontrados. A continuación el trailer de esta genial película.

"Inquietante película que trasciende sus orígenes, convirtiéndose en una absorbente tragedia"

Tiempos Violentos

Director: Quentin Tarantino
Año: 1994 País: EE.UU Género: Thriller/Acción Puntaje: 10/10
Interpretes: John Travolta, Samuel L. Jackson, Bruce Willis, Uma Thurman, Tim Roth, Harvey Keitel, Christopher Walken, Rosanna Arquette, Steve Buscemi y Quentin Tarantino

A mi parecer la mejor película de los 90 y la consagración definitiva de Tarantino, que luego de filmar “Reservorio de Perros” nos asombraría con esta obra maestra del cine moderno, narra tres historias paralelas la primera trata sobre de Jules (Samuel L. Jackson) y Vincent (John Travolta) que son dos asesinos a sueldo que trabajan para Marsellus Wallace. Antes de realizar uno de sus "trabajos", Vincent le confiesa a Jules que Marsellus le ha pedido que cuide de su novia, Mia (Uma Thurman). Comienzan a hablar sobre lo peligroso de sobrepasarse con la novia del jefe, pero llega la hora de trabajar y ambos deben ponerse en faena. Su misión: recuperar un misterioso maletín.

La segunda narra la historia de Butch, un boxeador que estafa a Marsellus Wallace, por ello será perseguido por sus secuaces, pero a Butch lo que más le importa es el reloj de oro que le entrego su padre (además tiene una historia tortuosa de cómo llega a él) y en la tercera historia vuelven los personajes de Travolta y Jackson esta vez envueltos en un problema de un asesinato para lo que necesitaran la ayuda del Sr. Lobo genialmente interpretado por Harvey Keitel.

El director y guionista de Knoxville exprime y conjuga con talento todas sus influencias culturales que abarcan desde las películas orientales de acción, pasando por series de televisión, el pulp (unas revistas ilustradas con llamativas portadas que contenían relatos básicamente de género negro, aunque se tocaban muchos otros temas como la ciencia- ficción o aventuras) hasta una gran retahíla de films de serie B clásico pertenecientes al género de acción que seguro pasaba horas y horas contemplando desde su puesto de trabajo en un pequeño videoclub.

Junto a su habitual colaborador en los textos, Roger Avary, Tarantino crea un guión totalmente creativo y vanguardista, ya que a lo largo del metraje va jugando con el tiempo y la historia de dos asesinos a sueldo encarnados por un recuperado John Travolta (gracias a este papel saldría de un prolongado ostracismo) y Samuel L. Jackson, con un personaje ciertamente memorable colmado de divertida filosofía ascética. Con este film Tarantino rompe el esquema del cine clásico y inventa una nueva forma de contar una historia.

Utilizando una estructura episódica, la película aborda no solamente los códigos de honor existentes entre mafiosos y matones, sino que sirve asimismo a su director para plasmar todo el sentir y actuar del pueblo estadounidense, visto claro está, desde sus propias referencias formativas, en un soez pero divertido e incisivo guión lleno de inesperados y resueltos giros; la violencia, el sexo, las drogas, la fast- food, los coches, los restaurantes temáticos, la televisión, la mezcla de culturas van desfilando por el metraje con un formato visual deslumbrante que sirve para dotar a la película de un constante ritmo, sin apenas altibajos a pesar de su larga extensión.

Con un sinfín de homenajes y citas a iconos y personajes de la cultura americana (desde Douglas Sirk hasta Marilyn Monroe, desde la pareja Lewis/Martin hasta el rock de los 50), una notoria banda sonora repleta de grandes canciones interpretadas por ilustres músicos del pasado, como el surfer Dick Dale, el soulman Al Green, los funkies Kool & The Gang, la maravillosa diva británica de los 60, Dusty Springfield, el padre del rock & roll, Chuck Berry o los contemporáneos Urge Overkill, versionando un viejo tema de Neil Diamond; unos personajes singulares bien desarrollados que mantienen unas conversaciones vívidamente intensas sirven a Tarantino para filmar una gran película como es esta. Aquí el trailer.

"La mejor película de los 90's"

Loco por Mary

Director: Bobby y Peter Farrelly
Año: 1998 País: EE.UU Género: Comedia Puntaje: 08/10
Interpretes: Ben Stiller, Cameron Diaz, Matt Dillon y Chris Elliott

Una de las mejores comedias del cine, narra la historia de Ted Strohehmann (Ben Stiller) que ha vivido angustiado durante 14 años de su vida. La razón de su desgracia no es otra que la famosa Mary Jensen (Cameron Diaz), la chica a la que todos desean y con la que por fin consigue tener una cita en la fiesta de graduación. Pero un desgraciado accidente con la cremallera del pantalón arruinó este momento tan deseado. Después de tantos años la vuelve encontrar y quera reconquistarla.

Farsa sexual, escatología, absurdo, cinismo a raudales y romanticismo son algunos de los elementos de esta comedia dirigida, escrita y producida por los oroginales hermanos Bobby y Peter Farrelly, autores también, dentro de este tipo de comedias groseras y caricaturescas con gusto por el sinsentido, de títulos como “Dos tontos muy tontos” o “Irene, Yo y ni otro Yo”, casi todas ellas con algunos momentos antológicos de humor disparatado, personajes y situaciones estrambóticas, diálogos irracionales y grácil ritmo narrativo. En otros pasajes no resultan tan afortunados aunque rara vez en su desarrollo pervierten su naturaleza tonal, lo que ya es de agradecer.

En “Loco por Mary”, con la presencia constante a lo largo del metraje de Jonathan Richman en plan trovador con sus canciones naif, y tras un divertido prefacio narrado en flashback y con voz en off en primera persona por Ted, el protagonista principal encarnado de manera efectiva por Ben Stiller, vamos conociendo a Mary, una escultural rubia que gracias a su tipito tiene conquistado a todo el personal masculino del instituto.

De vuelva al tiempo presente y tras muchos años sin saber de ella Ted, en plan Odisea homérica, intentará buscarla para poder reanudar el aborto de romance que tuvieron en sus tiempos más juveniles. Es ahí cuando entra en acción un espléndido Matt Dillon, quien realiza una soberana interpretación cómica demostrando bastante talento en un género poco acostumbrado en su carrera.

En el desarrollo de esta quimera en busca del amor verdadero, ansias de ligoteo, querencias sexuales e hipocresías varias en torno a un fin común los hermanos Farrelly encadenan una serie de gags bastante competentes, en especial los tejemanejes de Dillon para conquistar a Cameron Diaz, y unas traviesas escenas, “políticamente incorrectas”, en torno a las seminales partes nobles que no quedan del todo mal por la habilidad de hacer creíble lo increíble por parte de todo el elenco actoral.

La película, lo que ya le concede valía como comedia, contiene muy divertidos y basa todo su potencial en la creación de situaciones cómicas y transgresoras, obviando trabajar demasiado sus personajes más allá de la de las mismas. No lo necesita, ya que el ligado de las mismas, con giro sorpresivo final, realmente divertida. Aquí el trailer.

"Una de la mejores comedias del cine moderno"

Déjame Entrar

Director: Tomas Alfredson
Año: 2009 País: Suecia Género: Drama/Terror Puntaje: 09/10
Interpretes: Kåre Hedebrant, Lina Leandersson, Per Ragnar, Henrik Dahl y Karin Bergquist

Una de las grandes sorpresas de este año, gran película europea, la historia gira entorno a Oskar (Kåre Hedebrant), un joven tímido de 12 años, aterrorizado por sus compañeros de escuela, se hace amigo de Eli (Lina Leandersson), una misteriosa vecina, cuya llegada coincide con una serie de misteriosas muertes. A pesar de que el joven piensa que ella es un vampiro, intenta que su amistad esté por encima de su miedo.

A diferencia de la mayoría de productos creados para consumo adolescente sobre cintas de vampiros caso “Crepusculo”, la película de Tomas Alfredson huye de cualquier efectismo barato. Como la nieve que cae a lo largo del metraje, esta pequeña joya va cuajando poco a poco, capa sobre capa. No hay aquí excesivos efectos especiales ni demasiada sangre. Tampoco hay posturitas de revista de modas o “look” de videoclip.

En este reino de la sugerencia en el que nos sumerge la cinta, hay que destacar un elemento casi olvidado por el cine de hoy: el denominado fuera de campo. Consecuente con la idea de que es mejor insinuar que mostrar, Alfredson nos escatima información e imágenes. Eso provoca que el espectador imagine lo que puede estar sucediendo más allá de lo que observa en pantalla. Digamos que, por utilizar un símil, Déjame entrar dejaría a un lado el exhibicionismo de la pornografía para abrazar la sutilidad del erotismo. En este sentido es especialmente magistral la utilización del fuera de campo en uno de los momentos cumbre de la película: cuando uno de los protagonistas se encarga de ajustar cuentas con los enemigos de Oskar.

Dejando de un lado los elementos estrictamente cinematográficos, y centrándonos en el apartado más humano del filme, Déjame entrar consigue reflejar perfectamente el terrible sentimiento de saberse diferente y la grata experiencia que supone encontrar a alguien que te comprenda. Todo ello sin recurrir a discursos explicativos y diálogos de más. Alfredson, que en más de una ocasión parece desaparecer como director, deja divismos de cineasta exhibicionista para centrarse en dar verosimilitud a lo que está contando. No hay, por tanto, planos que llamen especialmente la atención ni movimientos de cámara más allá de los necesarios.

Por el contrario, y a diferencia de muchos realizadores actuales, Alfredson se revela como un magistral director de actores. El ejemplo más claro lo tenemos en las interpretaciones de los dos protagonistas. Kåre Hedebrant borda su papel de chaval apocado, mientras que Lina Leandersson logra con su espléndida actuación al reflejar la terrible dicotomía de un personaje que es joven por fuera, aunque viejo por dentro. Su arma para conseguir impactar al espectador es algo muy simple y muy complicado a la vez: una penetrante mirada

Aunque podría seguir hablando durante mucho tiempo sobre esta obra maestra, que para mi es una de las mejores cintas sobre vampiros, creo que lo mejor que puedo hacer es recomendarles que vayan a verla si todavia no se ha estrenado en sus paises. Hagan un hueco en su menú de blockbusters para saborear una muestra de gran cine europeo. No lo lamentarán. Aqui el trailer.

"Un cuento de hadas glacial, delicado, atormentado y poético"