sábado, 29 de agosto de 2009

La Puerta del Cielo

Director: Michael Cimino
Año: 1980 País: EE.UU Género: Western/Drama Puntaje: 09/10
Interpretes: Kris Kristofferson, Christopher Walken, John Hurt, Isabelle Huppert, Mickey Rourke, Joseph Cotton y Willem Dafoe

Hermoso y dramático western de Michael Cimino. Es el verano de 1870. En la Universidad de Harvard se está celebrando la ceremonia de graduación, en la que participan James Averill (Kris Kristofferson) e Billy Irvine (John Hurt). Años más tarde, en el invierno de 1891, cuando ambos amigos han cumplido cuarenta años, las circunstancias de cada uno de ellos son muy distintas. Averill, más serio y visiblemente más viejo, se ha convertido en el "marshall" federal. Por su parte Irvine, destruido y arruinado por la bebida, pero todavía en su sano juicio, es miembro de la asociación Stock Growers Agricultores, que está inmersa en un conflicto.

La película que arruinó a la United Artists, una cinta maldita y masacrada en la sala de montaje debido a su descomunal duración, un presupuesto desmedido puesto en manos de Michael Cimino, el director de moda en ese tiempo, alabado y oscarizado por "El Francotirador", “La Puerta del Cielo” fue fracaso en taquilla que hundió a la compañía inicialmente creada por Charles Chaplin y Douglas Fairbanks. Con estas referencias al ver hoy, décadas después de su estreno la versión extendida de 210 minutos (¡bendito "montaje del director" o de quien sea!) no se comprende como esta obra mayúscula del cine no fue entendida ni por los mismos que la pagaron y posteriormente mutilaron, condenando al ostracismo a un genio del cine como Cimino.

Épica o lírica, histórica o romántica, que es lo que hace a esta película ser tan triste y hermosa, un más de ese maravilloso y rotundo subgénero que se suele llamar "Western crepuscular". Melancolía, es la palabra que define el transcurso de la historia, profundo desencanto en los ojos de Jim Averill, en la sonrisa de la prostituta Ella ( Isabelle Hupert), en la embriaguez continua de Billy Irvine. Impresionante la escenografía y la maravillosa composición fotográfica del hungaro Vilmos Zsigmond con bellos claroscuros y pagados tonos de luz natural (homenajes a Willis y Nestor Almendros sin duda). Todo empastado en una de las partituras más amargas de la historia del cine, hasta las partes festivas lo son.

El resultado son tres horas y media de llenas de desengaño y amistad, de traición, de cautividad en una nación que se va forjando sobre las tumbas de los pobres, sin duda siempre ganarán los mismos, aunque como es el caso de James, odien ser lo que son, la vida devuelve a todos a su lugar de origen unos arriba y otros muertos. Es sin lugar a duda una de los westerns mejor realizados en el séptimo arte, pero que a mi parecer estuvo olvidada por el publico y como dije anteriormente maldecida por la critica, es por que ello luego de su re-edición, pudo mostrar su verdadera belleza, que fue mal recibido al principio.

Las interpretaciones magníficas, el cantante Kris Kristoferson hace su segunda incursión para la historia ( la primera fue en la antológica "Pat Garret & Billy the Kid") con nota muy alta, Christopher Walken irrepetible en el papel de un asesino a sueldo que empapela las paredes de su cabaña para impresionar a la mujer que ama (qué mas se puede decir), John Hurt ese alcohólico y prematuramente caduco niño de papa, Isabelle Huppert, la prostituta de la que todo el mundo se enamora, toda una galería de personajes firmemente comprometidos con su propio ocaso, con su inmensa derrota.Hay una escena en que Jim le pregunta a Ella como se las apaña para llevar el negocio y a la vez cocinar esas tartas tan ricas con las que le agasaja. Ella simplemente le contesta quitándose la ropa, hasta aquí puedo leer.

Sin dudarlo una película que no convence a muchos, que le falta rigor histórico, que se nota que está cortada (a pesar de ser está la versión extendida), que la eterna secuencia del baile aburre, que por algo sería que fracaso.A todo eso contestar simplemente con el final. Se produce en un barco, aparentemente no ocurre absolutamente nada pero es imposible reprimir el nudo de emoción al ver a un hombre tan vacío por dentro, tan fuera de lugar, un superviviente bendecido por el destino pero cruelmente maldito por la vida misma. Desgarradora.

video

“Majestuoso y melancólico western jamás hecho en la historia del cine”

domingo, 23 de agosto de 2009

Niños del Hombre

Director: Alfonso Cuarón
Año: 2006 País: Inglaterra Género: Thriller Puntaje: 08/10
Interpretes: Clive Owen, Julianne Moore, Michael Caine, Charlie Hunnam y Chiwetel Ejiofor

Admirable película futurista que nos traslada a Inglaterra en el año 2027, en esa época el ser humano afronta su posible extinción. La humanidad ha perdido la capacidad de procrear, y el mundo se estremece ante la noticia de la muerte de la persona más joven de la Tierra, que tenía 18 años. Cuando el caos irrumpe, Theo (Clive Owen), un desilusionado ex-activista radical convertido a burócrata, es contratado por Julian (Julianne Moore) para ser el protector de la persona más buscada sobre la faz de la Tierra...la única mujer embarazada.

El ecléctico director mexicano Alfonso Cuarón nos muestra majestuosamente un futuro que nos esta muy lejos, en donde las mujeres no pueden tener hijos. Con esta proposición, entre aterradora y pesimista, “Niños del Hombre” entronca con la ciencia-ficción más distópica. Al menos en parte, ya que a esta película no le interesa tanto cómo se ha llegado al Apocalipsis, sino el camino paralelo y alternativo que surge frente a él. Este camino paralelo seria la esperanza de la humanidad hacia la última mujer embarazada.

Una odisea narrada sin destellos, abrumadora y tenebrosa, incierta a la par que casi imposible; en la que los protagonistas avanzan a tientas por el caos y los escombros, por fotogramas que se antojan más realistas de lo habitual en el género, y por tanto más cercanos: sin literatura. Así la crónica se transforma en ciencia-ficción, y esta a su vez deviene en película de terror. “Niños del Hombre” es una parábola de futuro sin demasiado maquillaje, que disloca un par de décadas las enfermedades de nuestros días, ahora ya terminales. De hecho la fecha es circunstancial, casi contextual. Un peaje necesario de la ambientación. Probablemente en lo que escribamos esto, ya hayamos alcanzado a la película, o ella nos haya cogido a nosotros.

Cuarón busca mostrarnos el presente de la manera más cercana posible e identificable para el espectador. Se sirve de un estilo próximo al documental para que por momentos lleguemos a preguntarnos si estamos viendo un film, o un hecho real. Usando secuencias largas, para no cortar la acción de los actores, evitando conscientemente los artificios normales en una película y llevando a cabo un gran uso de la cámara en mano, que no resulta mareante, como en otras muchas películas. Cuarón y su director de fotografía, el magnífico Emmanuel Luzbeki (El Jinete sin Cabeza), consiguen que por momentos parezca que estamos viendo un telediario. Gracias a estos detalles resulta casi imposible no sentir próxima esta historia.

"Niños del Hombre" es una película que se enclavaría dentro del cine de ciencia ficción, puesto que de ciencia ficción es la novela de P.D. James en la que se basa. Sin embargo cuando uno esta viéndola, no tiene esa sensación, tiene la sensación de estar viendo algo que es terriblemente real o que podría serlo dentro de no mucho tiempo. Alfonso Cuarón huye conscientemente del tópico de las películas del género, grandes escenarios futuristas y efectos especiales. Aprovechando que la película transcurre en un futuro cercano, Cuarón nos cuenta la realidad y de cómo esta puede condicionar nuestro futuro.

Y para sacar adelante esta joya de la ciencia ficción planta al carismático (y muchas otras cosas) Clive Owen, para que sea él quien nos guíe en el camino a Tomorrow, dándole vida como un gran héroe corriente. Y además regala un pequeño papel a Michael Caine que hace su trabajo magistralmente, dejándonos las secuencias más entrañables y cómicas del film. El caso de Julianne Moore es diferente, su momento está tan bien rodado que no importa en absoluto no poder disfrutarla el resto del film. Cada secundario funciona como un puzzle, nadie sobresale más de lo necesario, la estrella es la película como un todo.

video

"Película que retrata magistralmente un cuadro desconsolador de nosotros mismos"

miércoles, 19 de agosto de 2009

El Protegido

Director: M. Night Shyamalan
Año: 2000 País: EE.UU Género: Intriga Puntaje: 10/10
Interpretes: Bruce Willis, Samuel L. Jackson, Robin Wright Penn y Spencer Treat Clark

Enigmático filme, El impacto se produjo a las 15:15 horas. El primer vagón quedó partido en dos y salió volando en direcciones opuestas. El segundo resultó aplastado y arrastrado durante más de un kilómetro. Se encontraron restos en un perímetro de kilómetro y medio. Seis miembros de la tripulación iban en el vagón de mercancías. Ciento dieciocho personas y siete tripulantes viajaban en el tren de pasajeros. Sólo se ha hallado un superviviente: David Dunn (Bruce Willis). Elijah Price (Samuel L. Jackson), un misterioso desconocido tiene una explicación, bastante extraña, que justifica por qué David ha salido sin un solo rasguño del accidente... Una explicación que bien podría cambiar para siempre la vida de David y de su familia.

Después del inesperado éxito de "El Sexto Sentido" (inesperado no porque no lo mereciera, sino porque nadie lo esperaba), el joven director M. Night Shyamalan volvió con una especie de drama con un guión que sería gracioso y ligero si no estuviera tan firmemente anclado por las emociones y humanidad de sus personajes. La cinta trata de la curiosa y evolutiva relación que se da entre dos personas muy distintas, pero unidas por curiosas circunstancias. Una de ellas es Elijah Price, quien padece de una exótica condición genética que lo hace extremadamente propenso a las fracturas; el otro es David Dunn, un humilde guardia de seguridad que podría o no ser inmune a enfermedades y daño físico.

El director de origen hindú nos presenta en esta película personajes creíbles, que tienen unas vidas en las que sufren y ríen, como cualquier mortal, tanto mejor. “El Protegido” es un particular homenaje al cómic que se sirve de dos personajes principales y opuestos, el fuerte y el débil, La idea podría dar de sí pero el caso es que el director y guionista no parece interesado en ella y se dedica a dar palos de ciego durante una hora de metraje para dejar claro al espectador que sí, que efectivamente Bruce Willis es un tipo especial que nunca ha estado enfermo y que ha sobrevivido a esos accidentes porque realmente tiene un don especial. Es el protegido. Pero esto es algo que todos sabemos o que, al menos, ya suponemos desde el inicio del filme.

Como fondo de esta relación, está la situación familiar de Dunn; su matrimonio no está en buenas condiciones, y la presión que ejercerá la nueva situación en la que se encuentra podría acabar con los esfuerzos que él y su esposa hacen por mantenerse juntos. Puede que a muchos les exaspere la lentitud con la que transcurre la película, pero no deberíamos por ello olvidar las excelencias de un producto bien pensado en el que, no como en “El Sexto Sentido”, todas las piezas encajan a la perfección. Su media hora final es magnífica, y los minutos en los cuales conocemos la revelación de la película, portentosos, puesto que uno, aún habiéndolo intuido, sonríe pensando: «es verdad, es lógico» (dentro, eso sí, de tan imaginaria propuesta). Qué bonito homenaje, pues, a tan elogiable mundo de la literatura hecha dibujos.

Lo que me lleva a los actores. Al igual que en "El Sexto Sentido", el guión y el lenguaje visual son puntos muy fuertes, pero no tendrían mucho valor si los actores no supieran prestar humanidad a los personajes. Afortunadamente Bruce Willis y Samuel L. Jackson forma un dúo perfecto, llenando de detalle actuaciones que pueden parecer simples. La falta de gritos, melodrama desvergonzado y "duelos de actuación", tan comunes en las cintas dramáticas, sirve para enfatizar las emociones y pensamientos de los personajes. Donde otros actores se hubieran "volado la barda" tratando de expresar sentimiento, Willis y Jackson dejan que los diálogos fluyan sin prisa y sin inútiles exageraciones. Así mismo vemos una esmerada actuación de siempre bella Robin Wright Penn.

Finalmente, el factor que une todos estos elementos y los cristaliza en una narrativa casi perfecta es la dirección de Shyamalan. La mayor parte de los directores en Hollywood son meros capataces; gente que tiene buen instinto de organización y que logra la casi imposible tarea de coordinar al personal frente y detrás de las cámaras para lograr un producto coherente. Shyamalan pertenece al pequeño porcentaje de directores con visión real, cuyas decisiones sobre los modos de contar una historia no son las más fáciles ni las más convencionales, pero sí las más apropiadas para sentar el tono de la cinta y enriquecerla con todos esos detalles que son testimonio de genialidad. El drama humano y la fantasía rara vez se han combinado con tan buen resultado.

video

"Una sacada de tuerca al cine de superheroes"

sábado, 15 de agosto de 2009

La Misión

Director: Roland Joffé
Año: 1986 País: Inglaterra Género: Drama Puntaje: 10/10
Interpretes: Robert De Niro, Jeremy Irons, Liam Neeson, Aidan Quinn y Ronald Pickup

Conmovedora película, América, siglo XVIII. La Misión se encuadra en la jungla tropical que está por encima de las cataratas de Iguazú. Allí un jesuita, el padre Gabriel (Jeremy Irons), sigue el camino de un jesuita crucificado, sin más armas que su fe y una flauta. Al ser aceptado por los indios guaraníes, Gabriel crea la misión de San Carlos. A sus seguidores se une Rodrigo Mendoza (Robert De Niro), extraficante de esclavos, mercenario y asesino, que encuentra su redención entre sus antiguas víctimas, convirtiéndose a su vez en jesuita. Después de años de luchar juntos, se ven divididos por posturas opuestas en una dramática batalla por la independencia de los nativos. Uno confía en el poder de la oración. El otro cree en la fuerza de la espada.

"Es una historia conmovedora sobre la realidad política versus lo mejor de la naturaleza humana. Somos de naturaleza animal y por tanto destruimos lo que amamos por intereses y fines egoístas, y a la vez somos torturados por el sentimiento de que existen otras opciones si tuviéramos la fuerza para realizarlas. En las cuestiones políticas de hace 400 años encontramos los mismos interrogantes con los que luchamos hoy en día". Estas palabras son del director Roland Joffé sobre "La Misión".

Estas palabras de Joffé las he puesto más que nada porque definen más o menos lo que es la película y los temas que vienen a tratar: el ser humano es autodestructivo por naturaleza. Allá donde va arrasa con todo, destruye culturas milenarias, destruye la armonía entre los pueblos. Pero para ver esto no hay que remontarse hasta 1750 (que es la época en que se acontecen los hechos narrados en la película), sino que lo vemos ahora también. Por otra parte hay que decir que la "misión evangelizadora" y la creación de estas misiones, aunque nefastas para la supervivencia de antiguas culturas milenarias, (aquí estamos en la América Latina, pero bien podríamos ceñirnos a África) crearon una tabla de salvación para estos pueblos que se refugiaban en estas misiones para evitar caer en el yugo de la esclavitud aún existente.

En esta (y aún no le he dicho) fascinante y maravillosa película, se recrean las misiones fundadas por los jesuitas en los actuales territorios de Brasil, Paraguay y Argentina (territorios que en 1750 se repartían las potencias coloniales de Portugal y España). Esta misión evangelizadora se centraba en la cultura de los indios guaraníes, habitantes de estos bellísimos parajes de la América Latina. Gente en armonía con la naturaleza más salvaje. No obstante estas misiones jesuitas, además de llevar esta misión evangelizadora a estos pueblos indígenas, también los adoctrinaban en un sistema igualitario. y esto no lo veían bien las monarquías totalitarias de España y Portugal, que capturaban a estos indígenas para someterlos a la esclavitud. La Iglesia aceptó los intereses de estas monarquías y ordenó que las misiones jesuitas desaparecieran de estos territorios. Algunas de estas misiones se negaron y lucharon contra el expansionismo hispano-portugués (como es el caso de este film).

La película es preciosa tanto en su fondo como en su propuesta visual. La redención, la penitencia, la búsqueda de la libertad de los oprimidos contra la opresión de las grandes potencias coloniales (crítica al carácter autodestructivo del hombre). y esa preciosa relación entre Mendoza y el Padre Gabriel que culmina en el final de la película. Todos estos temas están presentes en tan fascinante película. Ésta cuenta con incontables imágenes de gran belleza. Tan sólo mencionaré unas cuantas: por supuesto, la primera escena del jesuita crucificado cayendo por las bellísimas cataratas de Iguazú (si bien es bastante trágica, la escena es de una belleza sublime); merece la pena recalcar también esa escena en que Irons tiene el primer encuentro con los indios guaraníes, mientras toca con su oboe ese precioso tema central presente en la magistral y soberbia partitura de Morricone.

Los aspectos técnicos son impecables y soberbios, residiendo parte del atractivo de la película en estos apartados: como he citado antes, la fotografía de Chris Menges (Oscar en1986) es excelente, realzando magistralmente esos preciosos paisajes de la selva tropical que Joffé se recrea en mostrarnos. Su vestuario y dirección artística también son aspectos impecablemente cuidados. Pero lo que de verdad llama la atención es, y como he citado antes por ahí, la bellísima y magistral banda sonora de este genio que es Ennio Morricone (sin duda alguna, una de las mejores composiciones del maestro). Y es que esta partitura, ensalza de manera casi mística las mejores y más emotivas escenas de la película. Es difícil recordar una secuencia de la película sin recordar el tema que sonaba ("On Earth As It Is In Heaven", "Falls", "Gabriel's Oboe" o "Miserere", son algunos de los temas más bellos de esta soberbia partitura). En fin. es "La Misión" un título indispensable en cualquier dvdteca (o videoteca) de todo cinéfilo que se precie. Preciosa en todos los sentidos. Y es que una vez vista "La Misión" hace a uno pensar en todo lo que de verdad hemos hecho y continuamos haciendo. En como es de destructiva la naturaleza del hombre, aquí el trailer.

video

"Conmovedora película, de principio a fin"

martes, 11 de agosto de 2009

El Club de la Pelea

Director: David Fincher
Año: 1999 País: EE.UU Género: Thriller Puntaje: 10/10
Interpretes: Edward Norton, Brad Pitt, Helena Bonham Carter, Meat Loaf y Jared Leto

Violenta y espectacular película de Fincher, Jack (Edward Norton) es un personaje insomne y desesperado por escapar de su fatal y aburrida vida. En un viaje en avión conoce a Tyler Durden (Brad Pitt), un carismático vendedor de jabón con una filosofía muy particular; Tyler cree que el perfeccionismo es para los débiles y que es la destrucción de uno mismo lo que realmente hace que la vida merezca la pena. Jack y Tyler forman un club de lucha secreto que se convierte en un éxito arrollador.

Dicen que una buena película es aquella que provoca reacción en el espectador, aquélla ante la que uno no puede mantenerse impasible, y este es el caso del segundo film de este director rompemoldes que es David Fincher, una película basada en una novela de Chuck Palhniuk y que, según este escritor, tiene una base real, aunque cueste creerlo. Con un guión original, sorprendente e inclasificable, "El club de la Pelea" constituye un cruce inédito entre el cine negro y la videocreación experimental.

Desde el primer minuto, o aún más, desde la primera imagen, la acción frenética de esta cinta, con sus ambientes underground y sus personajes irrepetibles, te atrapa y te mantiene en tensión, creando en el espectador cierta sensación de confusión e irrealidad y manteniendo oculto hasta el fin un desenlace absolutamente inesperado. Además, cabe destacar la magnífica interpretación de los dos protagonistas y, muy especialmente, de un Edward Norton que borda su papel...como siempre, haciendo verosímil lo imposible, consiguiendo incluso que el espectador - especialmente en el caso de público masculino - se identifique con un sujeto cuya vida no tiene nada de corriente.

Obra maestra de David Fincher que supera con creces a "Seven", los actores no podían hacerlo mejor, Brad Pitt tiene un papel que le va como anillo al dedo, Edward Norton como dije antes borda su interpretación magnificamente y Helena Boham Carter a pesa de que tiene el papel secundario es una pieza del puzzle totalmente necesaria para la historia. Insisto en que no es una película sin argumento, es un film al que en su día no se le dio la publicidad que se les dio a otros y que bien la merecía, es una maravillosa crítica al consumismo, al conformismo y a los tiempos que corren.

Unos diálogos en medio de la sangre que pocos llegan a captar, no es una película apta para cualquiera sino que requiere un espectador critico y amante del buen cine de lo contrario la persona que vea el film se encontrara con tan solo violencia y eso es lo de menos. La manera en la que la película consigue reflejar la personalidad tan diferente y tan idéntica de los personajes es genial, Tyler es solo lo que Jack quiere ser, un fanal impactante para una gran película en la que no he encontrado ni un solo defecto, es imposible expresar con palabras la grandiosidad del film y recomiendo visionar la cinta tres o cuatro veces para no perderse ninguno de los muchos detalles. Y sobre todo atención a todas y cada una de las frases de Pitt, son de lo mejorcito del cine contemporáneo y están cargadas de profundidad.

En resumen, una magnífica película para mentes abiertas y sin prejuicios, que llega a la perfección de "Seven" y la supera fácilmente, es sin duda alguna uno de esos filmes irrepetibles que todo aficionado al séptimo arte debería ver al menos una vez, aunque sea para criticarlo. Aquí el trailer.

video

“Violento e impactante filme que lo dejara asombrado”

sábado, 8 de agosto de 2009

Bailando en la Oscuridad

Director: Lars Von Trier
Año: 2000 País: Dinamarca Género: Drama/Musical Puntaje: 10/10
Interpretes: Björk, Catherine Deneuve, David Morse, Peter Stormare y Jean-Marc Barr

Simplemente una obra maestra, no hay más que decir, Selma (Björk), inmigrante checa y madre soltera, trabaja en una fábrica situada en un pueblo de los Estados Unidos. Su única vía de escape a tan rutinaria vida es su pasión por la música, especialmente las canciones y los números de baile basados en los musicales clásicos de Hollywood. Selma esconde un triste secreto: está perdiendo la vista y su hijo padecerá el mismo mal si ella no puede conseguir el suficiente dinero para asegurarle una operación.

Atmósferas turbulentas desde donde nace el milagro de la imágen: Bailando en la oscuridad es un arrebatador poema visual, una delirante cacofonía iconográfica donde importa menos el trayecto de los personajes que las sensaciones que sienten y cómo las explicitan, de qué forma capturan la atención del espectador y lo embaucan ( eso debe ser el cine puro o la literatura pura: embaucamiento, prestidigitación, fantasía ensamblada con la cordura ) hasta que, al final, extasiado por el caudal de emociones, lo dejan arrumbado en la butaca, noqueado.

Lars Von Trier cierra la Trilogía del Corazón de Oro ( Rompiendo las olas, Los idiotas y ahora esta Bailando en la oscuridad ) con este melodrama con ribetes de musical o este musical melodramático, vehículo fascinante para una actriz novata, aunque sobrada en un papel pensado para su histriónico y desvergonzado divismo. Björk es Selma, la inmigrante checoslovaca que se esta quedando ciega que se rompe en dolor para que su hijo no padezca su misma minusvalía. Para ello VonTrier utiliza en los momentos musicales colores vivos, quiriendo decirnos que su personaje es feliz en esos lapsos en donde escapa de la cruda realidad y se hunde en esas melancolicas melodias.

Lo que fascina de esta cinta es su premeditado despojamiento de todo artificio escénico (despues visto con más enfasis en su genial "Dogville". Las heroínas trágicas de Von Trier son ángeles que aspiran al cielo y deben recorrer un cierto recorrido en la tierra para merecer ese galardón. Selma seduce por su carácter épico: Björk recurre a lo que mejor sabe hacer (componer, cantar) para condimentar la dramaturgia del film con aderezos de poesía. El propio rostro de la cantante islandesa es el mejor reclamo de la inocencia, de la bondad y de la ingenuidad de Selma.

No entenderíamos la cinta sin la presencia alada, fluida, mística casi de esta actriz no explotada, que no ha vuelto al cine y que quizá estaba únicamente destinada a representar a su Selma, al alter-ego que vive su felicidad a su modo, de ojos para adentro, en la fantasía y en su amor puro de madre-coraje que pugna por vencer los convencionalismos, la severidad de la sociedad y la injusticia del sistema. A pesar de todo, no hay ningún ribete político. Esto es un musical: uno original hasta el cansancio.

“Bailando en la oscuridad” son palabras mayores: Una de las obras maestras del último cine, y, para el que esto escribe, una de las mejores películas de todos los tiempos. Como lo oyen. El guión, no muy diferente del de los peores telefilmes sobre enfermos terminales, se convierte en las manos de Von Trier en una deslumbrante obra que desborda todos los límites. Reinventa dos géneros, al fundir los edulcorados musicales de la Edad de Oro de Hollywood con el más puro melodrama, salpicado con destellos de tragedia griega; pone el estilo documental al servicio de una ficción que camina peligrosamente por el delgado filo que separa lo sublime de lo irreal; saca oro, sudor y lágrimas de la ¿interpretación? más creíble de las últimas décadas; crea unos números musicales absolutamente originales y arrebatadores; y, sobre todo, tiene el final más desolador y brutal que se ha visto jamás en el cine. Aviso: deja en estado de shock. Aquie el trailer, que en españa se titulo "Bailar en la Oscuridad".

video

"Extraordinaria, aterradora y genial película”

martes, 4 de agosto de 2009

Sweeney Todd, El Barbero Demoníaco de la Calle Fleet

Director: Tim Burton
Año: 2008 País: EE.UU Género: Thriller Puntaje: 09/10
Interpretes: Johnny Depp, Helena Bonham Carter, Sacha Baron Cohen y Alan Rickman

Basada en un famoso musical de Broadway el genial Tim burton narra la historia de Benjamin Barker, también conocido como "Sweeney Todd" (Johnny Depp), un siniestro personaje que tiene una barbería en Londres que la utilizara para vengarse de sus enemigos que le arruinaron la vida en el pasado. Vuelven Tim Burton con su actor predilecto Johnny Depp en su sexta colaboración tras maravillas del séptimo arte con “El joven Manos de Tijera” o “Ed wood” repitiendo de nuevo su esposa Helena Bonhan Carter que sin duda el mundo de su marido ya no le es desconocido.

El famoso musical de Broadway se mueve a ritmo de sangre ante las hazañas de la magistral e inquietante interpretación de Johnny Depp que toma las navajas rindiendo un tributo a su anterior personaje como fue “Edward” en la imperdible "El Joven Manos de Tijera", dicho personaje que es el reflejo de su director en cuanto a la excéntrica personalidad que aporta a cada uno de sus papeles un aire de auténtica locura que en está ocasión encaja perfectamente de nuevo. Esta historia esta compuesta por dos momentos fundamentales antes del nacimiento de Sweeney Todd (Todo es colorido y hermoso) y el nacimiento de este (Gotíco y triste)

Aunque se trate de un musical, estamos ante una de las películas más sangrientas de Tim Burton, nada tiene que ver con la dulzura que transmitia en "El Gran Pez", y las navajas plateadas de Todd ("¡al fin mi brazo está completo!", una frase ya mítica) están tan afiladas como el fino humor negro que caracteriza a Burton, que se muestra especialmente efectivo en las rápidas escenas de los asesinatos, que llegan a enlazarse en cadena como si en vez de una película Burton estuviera dirigiendo un moderno matadero tejano pero con su aspecto gotíco que lo carcteriza.

sin duda alguna nos encontramos en el musical más macabro de la historia del cine, rodado a mil revoluciones por minuto en una autentica obra maestra que nos adentra en un mundo de malvada genialidad. Encima otros secundarios de lujo dan lustre en sus siempre convincentes interpretaciones, los ingleses Timoty Spall y Alan Rickman “el perfume, sentido y sensibilidad” acompañados también por el cómico Sacha Baron Cohen la revelación de “Borat”. Practicamente el filme es 100% Burton, en todos los aspectos.

De manera sobria y elegante, Burton no está para artificios digitales ni excesos y sí para las manualidades, el maquillaje sombrío y la ambientación minimalista y sucia. El director consigue sin muchos escenarios ni personajes, un film que parece hecho a su medida y que denota una sencillez impecable. No hay en Sweeney Todd mucho tiempo para el dialogo y sí para las canciones. Es una mezcla genial (Musical + Burton) y el resultado de esto es este fenomenal filme, que sin duda lo atrapara de principio a fin, pero sin duda el final lo dejara con boca abierta, ya que est totalmente inesperado.

Johnny Deep y Helena Bonham Carter protagonizan algunas de las escenas más bellas, nada de bailes ni coreografías, es este un musical de canciones y de interpretaciones, un musical de terror donde predomina el tono gris que tan solo es salpicado por los chorreos de sangre roja brillante y chillona que fluye a borbotones a lo largo del metraje a través de los cuellos desgarrados por las afiladas cuchillas del barbero. El humor caricaturesco de los personajes resta seriedad al film sin que este se resientan para nada los momentos trágicos. No se me ocurre mejor director que Burton para llevar a cabo la obra de teatro, la historia encaja perfectamente con el universo visual del director y este logra sacarle el mayor partido sin caer en excesos. Aquí el trailer.

video

“Terrorífica, monstruosamente entretenida y melódicamente emocionante”

sábado, 1 de agosto de 2009

El Asesinato de Jesse James por el Cobarde Robert Ford

Director: Andrew Dominik
Año: 2007 País: EE.UU Género: Western Puntaje: 08/10
Interpretes: Brad Pitt, Casey Affleck, Sam Rockwell, Sam Shepard, Mary-Louise Parker, Jeremy Renner

Un gran western moderno y crepuscular, narra la historia del más famoso forajido del oeste americano, el carismático e impredecible pistolero Jesse James (Brad Pitt), un bandolero sudista hijo de un predicador. Mientras Jesse planea su próximo gran robo, declara la guerra a sus enemigos, quienes intentan hacerse con la recompensa y la gloria que implicaría su captura. Pero la amenaza más importante a su vida puede que venga de aquellos en quienes más confía...

Hay pocas figuras en Estados Unidos que sean tan conocidas y formen parte de la cultura popular de su sociedad como la de Jesse James. Para muchos, el forajido más temido y reputado del siglo XIX, para otros un idealista desencantado que continuaba una guerra perdida. Lo que sí es seguro es que a su alrededor se forjó una leyenda y un mito, que han sobrevivido hasta nuestros días. Pero este filme le da una perspectiva diferente a diversas adaptaciones cinematográficas que se hizo antes de este gran personaje.

“El Asesinato de Jesse James por el Cobarde Robert Ford” es un acercamiento al hombre que se encontraba tras el mito, mostrando su lado más humano, pero también sus miserias y su parte más oscura y atormentada. A un ritmo pausado, sin llegar a ser cansino o aburrido, Dominik va contando al espectador una historia apasionante que engancha desde el principio y consigue mantener la atención a pesar de sus más de dos horas y media de duración.

Pitt presenta un Jesse James enigmático y paranoico. Desde el principio de la película se le percibe agobiado e infeliz por su situación de forajido, y así es en toda la película, es un personaje que duerme con un revolver en la mano y desconfía de todo. El personaje de Affleck es, en mi opinión más interesante. Idolatra en un principio a Jesse, pero poco a poco empieza a defraudarlo al desnudar al mito para ver al hombre, y la tentación de apropiarse de su fama le vence finalmente.

Entre los aspectos que más destaca se encuentran la interpretación, la ambientación, la banda sonora y la calidad fotográfica. Es un western extraño, no hay violencia, a pesar de existir disparos. No hay tipos con sombreros montados a caballos vistos desde un punto de vista clásico y eso la hace grandiosa y diferente. Al fin y al cabo, transcurre a finales del s. XIX, en ese punto histórico más caracterizado por la cultura y estética isabelina que por los sucios vaqueros valientes. Además, no hay acción, grandes batallas épicas ni diálogos asombrosos. Se trata, claramente, de un drama psicológico que incluso escapa a la categorización de “drama”; Estamos, pues, ante una película que analiza mentes, vidas, comportamientos, circunstancias.

El director no trata de romper el mito de Jesse James, si no darle más fuerza de un modo punzante pero acogedor: regalándole un cuerpo humano, unos miedos humanos, una ignorancia humana y una tristeza humana. “El Asesinato de Jesse James por el Cobarde Robert Ford” es una película necesaria en esta época del año donde las hojas caen y donde la cartelera se invade de filmes al uso, no necesariamente malos, pero si excesivamente repetidos. Aquí el trailer.

video

"Un gran western crespuscular y moderno"