sábado, 30 de mayo de 2009

Los Infiltrados

Director: Martin Scorsese
Año: 2006 País: EE.UU Género: Ganster Puntaje: 10/10
Interpretes: Leonardo DiCaprio, Matt Damon, Jack Nicholson, Mark Wahlberg y Alec Baldwin

El Departamento de Policía de Massachussets se ve envuelto en una guerra campal para derrotar a la mayor banda de crimen organizado de la ciudad. La estrategia es terminar con el reinado del poderoso jefe de la mafia Frank Costello (Jack Nicholson) desde dentro. A un joven novato, Billy Costigan (Leonardo DiCaprio), criado en el sur de Boston, se le encarga infiltrarse en la mafia dirigida por Costello.

Mientras Billy intenta ganarse la confianza de Costello, otro joven policía que también ha surgido de las calles del sur, Colin Sullivan (Matt Damon), sube rápidamente de categoría dentro de la policía del Estado. Colin, que se ha ganado un buen puesto en la unidad de Investigaciones Especiales, forma parte de un grupo de oficiales de élite cuya misión es acabar con Costello. Pero lo que sus superiores no saben es que Colin trabaja para Costello, y le mantiene un paso por delante de la policía.

Cada uno acaba totalmente consumido por su doble vida. Pero cuando los gángsters y la policía se dan cuenta de que hay un topo entre ellos, Billy y Colin se encuentran en peligro constante de que les cojan y están expuestos al enemigo, y cada uno debe darse prisa en desvelar la identidad del otro para salvarse a sí mismo.

Vibrante filme de la leyenda viva Martin Scorsese, la historia es, cuando menos, estupenda en todas sus facetas. La acción está dosificada con una gran maestría. Los actores realizan un estupendo trabajo de principio a fin. Un soberbio y justamente histriónico Jack Nicholson encabeza un reparto en el que se ve secundado por un redescubierto Leonardo DiCaprio, Matt Damon se enfunda nuevamente en un papel de acción y aquí da el todo de pecho a lo largo de todo su metraje.

La película Scorsese involucra a dos personajes espejo como topos en las dos organizaciones, sirve al director de “Malas Calles” y “Taxi Driver” para, como ya ha hecho en diferentes ocasiones, volver a describir con atmósferas turbias y actitudes violentas la ligazón entre policías y mafiosos, en un realismo urbano que pone de manifiesto las consecuencias de tal violencia a través de una vorágine de ambigüedades, lealtades y mentiras que oferta pasajes apasionantes.

Es una aguda partida de ajedrez con la indagación psicológica de dos jóvenes peones de distintas ambiciones y similar ascendencia buscando refugio, ubicación. El “Gimme Shelter” de los Rolling Stones abre musicalmente de forma magistral la presencia del encuentro entre Jack Nicholson y el niño Colin Sullivan. Más tarde, curiosamente, Scorsese vuelve a elegir a los Stones (ahora “Let It Loose”) para el primer conocimiento entre Nicholson y DiCaprio.

La energía narrativa en el retrato paralelo de interés creciente, con el siempre excelente y brioso trabajo en el montaje, ayuda a intensificar las emociones de unos personajes azorados por las circunstancias, realmente Scorsese lograr alcanzar impacto al largo del metraje, por que esta como pez en el agua en estos tipos de película, que acaba con un final inesperado, uno de los mejores filmes del director ítaloamericano en los últimos tiempos. Aquí el trailer.

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"Un nuevo clásico del cine criminal americano"

viernes, 29 de mayo de 2009

Paisaje en la Niebla

Director: Theo Angelopoulos
Año: 1988 País: Grecia Género: Drama Puntaje: 08/10
Interpretes: Tania Paleologou, Michalis Zeke y Stratos Giorgigoglou

Grandiosa película del gran maestro Theo Angelopoulos, narra la historia de dos niños griegos en busca de un padre hipotético, inician una fuga hacia Alemania. Toman un tren y reencuentran, en el transcurso de su iniciático viaje, el bien y el mal, la verdad y la mentira, el amor y la muerte, el silencio y el verbo.

Esta es una bella y extraordinaria película, realizada con los medios más simples y sencillos que quepa imaginar, pero con una significación y riqueza estéticas difíciles de igualar. Nunca como en este filme se podrá comprobar la importancia de la ambientación, no sólo para la creación de una atmósfera determinada, sino también para generar el sentido general de esta obra. En ese sentido, el título está completamente justificado, no se trata de un mero trasfondo para un relato de carretera sino que, por el contrario, lo convierte en una ruta hacia la trascendencia en su sentido más amplio.

Conforme avanza la acción, lo que parece un trasfondo se va convirtiendo en un destino y el viaje de dos niños en busca de un ilusorio padre en Alemania deviene en un trayecto vital que rebasa la anécdota y se proyecta hacia otros contenidos. Los dos pequeños protagonistas descubren, una el sexo y el amor, y el otro el mundo del trabajo; en ambos casos.

El tratamiento es objetivo y distanciado. Sin embargo, el planteamiento inicial del filme y el comienzo de la aventura de los niños –gracias a la citada ambientación ya ha enganchado emocionalmente al espectador. Pero, luego, esta road movie empieza a desperdigarse un poco. Junto a estas y otras acciones definidas en el filme, hay también una serie de situaciones indeterminadas; y, entre ambas, por obra justamente de este cierto desorden, surge un juego de sugerencias que constituyen la clave de esta película.

Las escenas fuertes y dolorosas se combinan con otras casi surrealistas, pero todo transcurre como si nada pasara; no hay explosiones melodramáticas, pero sí mucho silencio y –sobre todo– un tempo lento que junto con la niebla nos va envolviendo en ese transcurrir frío y distanciado. Mientras el director nos va introduciendo con sus planos secuencias a esos ámbitos sugeridos, a esos entresijos que van dejando los contrastes arriba descritos. Lo determinado y lo indeterminado conviven y se oponen suavemente y destilan un tránsito y un devenir que alcanzan su plenitud en la secuencia final; luego de la incierta travesía para pasar al otro lado del río. Ese fluir no es otra cosa que el tiempo y a lo que éste aspira: la trascendencia. Gran filme europeo.

“Triste y poética obra maestra”

jueves, 28 de mayo de 2009

V de Venganza

Director: James McTeigue
Año: 2005 País: EE.UU Género: Acción Puntaje: 08/10
Interpretes: Hugo Weaving, Natalie Portman, Stephen Rea y John Hurt

Como muchos otros fanáticos de los comics, siento gran admiración y respeto por Alan Moore, uno de los poquísimos escritores que se han especializado en el arte secuencial (nombre "artístico" del comic) y que han logrado trascender el medio, produciendo genuina literatura de profundo significado y brillante narrativa. "V de Venganza" está basada en una de sus más celebradas novelas gráficas.

La cinta se desarrolla en Inglaterra, en un futuro cercano, donde una catástrofe biológica funcionó como catalizador para el establecimiento de un gobierno fascista, cuya abolición de las libertades individuales y erradicación de grupos sociales y étnicos "indeseables" busca el supuesto bienestar de la población general. En ese estado policiaco vive Evey (Natalie Portman), una joven trabajadora que por azar conoce a "V" (Hugo Weaving), un terrorista enmascarado con una misión muy ambiciosa: devolver el poder al pueblo. Mientras tanto, el Inspector Finch (Stephen Rea) sigue la pista del terrorista, llegando a la conclusión de que hay un extraño lazo entre el criminal y el gobierno que lo quiere eliminar.

En el plano narrativo, "V de Venganza" tiene confianza en su público, y no pierde mucho tiempo ofreciendo explicaciones. Afortunadamente el brillante guión se encarga de darnos las herramientas necesarias para interpretar los hechos que muestra y las actitudes de los personajes, auxiliado por las perfectas actuaciones del elenco.

Natalie Portman es simplemente asombrosa en el difícil papel de Evey. Su arco dramático es hasta cierto punto predecible, pero la vida que la actriz imprime en el personaje es extraordinaria, de tal forma que es muy fácil asimilar y compartir sus emociones y experiencias frente a un personaje tan enigmático como V. Hugo Weaving interpreta a este terrorista exactamente como lo que es... no un patriótico héroe en pos de la libertad del pueblo, sino un símbolo y una idea que busca inspirar y motivar.

El gran John Hurt impone su presencia como el déspota Adam Sutler, y Stephen Fry aporta compasión y calidez como Deitrich, el productor televisivo que en algún momento tuvo una relación con Evey. Pero es Stephen Rea, como el tenaz Inspector Finch, quien más impacta en el elenco secundario. Aún en el ambiente corrupto que lo rodea, Rea logra expresar integridad e inteligencia, lo cual será de gran utilidad cuando la pista del terrorista lo lleve a tomar decisiones que quizás nunca contempló... pero que son absolutamente evidentes.

“V de Venganza” es un gran film, muy rico en ideas. Los Hnos Wachowski que son los productores de esta cinta, han adaptado y expandido la historia originalde Moore, y lo convierten en un film de “sci fi” política (por ejemplo, como Farenheit 451). Y si bien el film es muy dialogado, dispone de tiempo para la acción, que no es tanta como Matrix pero está muy bien dirigida (en especial el excelente duelo con cuchillos cerca del final, filmado en al estilo del Bullet Time). Pero en todo caso, queda como ejemplo de excelente ciencia ficción, de la que los Hnos Wachowski nos habían dado con las primeras entregas de Matrix, y que parecían haber perdido el tacto, a continuación el trailer.

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"Un Filme Visionario y un homenaje a la Democracia"

martes, 26 de mayo de 2009

El Paciente Ingles

Director: Anthony Minghella
Año: 1996 País: EE.UU Género: Drama Puntaje: 09/10
Interpretes: Ralph Fiennes, Kristin Scott Thomas, Juliette Binoche y Willem Dafoe

Una de las películas ganadoras del oscar mas olvidadas, por eso en este post la rescato, un hombre herido (Ralph Fiennes) viaja en una caravana por una carretera de Italia, pero su estado es tan grave que se tiene que quedar en un semidestruido monasterio deshabitado, atendido únicamente por Hana, una enfermera canadiense.

Su cuerpo está totalmente quemado a consecuencia de un accidente aéreo sufrido en África, pero todavía tiene tiempo para contarle la trágica historia de su vida a Hana (Juliette Binoche), cuando trabajó como espía alemán y sobre un amor prohibido en el pasado (Kristin Scott Thomas).

Genial y hermosa película de Anthony Minghella, mantiene el poderoso misterio sobre el pasado de ese hombre con el cuerpo y el rostro monstruosamente desfigurados que sabe, entre los picotazos de morfina, que su desolada existencia se acaba, y al que cuidan una enfermera masacrada emocionalmente que no ha perdido el hambre de vida.

La acción de esta película se desarrolla a lo largo de siete años, en El Cairo, en el desierto, en los frentes de guerra, en un destruido monasterio italiano, con flashbacks continuos, describiendo el pasado y el presente de varias personas, contando varias y emocionantes historias a la vez. Es muy difícil organizar un territorio tan complejo, ser fluido y racional con una estructura que se presta a la dispersión y un peligroso metraje que se acerca a las tres horas. Minguella consigue no perderse en el laberinto ni perder en ningún momento al espectador.

La historia y los escenarios se prestan al espectáculo y al exotismo de lujo. Hay guerra, espías, misterio, acción, torturas, suspense, personajes atractivamente fronterizos, pero el principal interés de su director no se concentra en esos elementos tan vendibles, sino en contar con sutileza y pasión el amor más triste, el de dos personas que descubren tardíamente que el mágico, carnal y terrible milagro que les está ocurriendo es la patria más auténtica de los seres humanos y que sólo se vive cuando se ama.

Durante mucho tiempo la atmósfera te envuelve, pero en la media hora final te desborda, te hace llorar, sientes comprensión, piedad y emoción hacia el terrible destino de esos amantes que asumen su vértigo. Habrá espectadores y espectadoras que se enamoren del misterio de Juliette Binoche y otros de la apabullante clase de Kristin Scott Thomas. Aqui el trailer.


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"Desbordante y Romantico Filme"

sábado, 23 de mayo de 2009

Cartas desde Iwo Jima

Director: Clint Eastwood
Año: 2007 País: EE.UU/Japón Género: Bélico Puntaje: 09/10
Interpretes: Ken Watanabe, Kazunari Ninomiya, Tsuyoshi Ihara y Ryo Kase

Hace sesenta y un años, los ejércitos norteamericano y japonés se vieron las caras en Iwo Jima. Décadas después, varios cientos de cartas son desenterradas del suelo de esa inhóspita isla. Las cartas ponen cara y voz a los hombres que allí lucharon, así como al extraordinario general que los dirigió. Los soldados japoneses que son enviados a Iwo Jima sabiendo que, con toda probabilidad, ya no regresarán.

Al mando de la defensa se encuentra el general Tadamichi Kuribayashi (Ken Watanabe), cuyos viajes a Norteamérica le han revelado la naturaleza inútil de la guerra, pero también le han proporcionado un conocimiento estratégico sobre cómo hacer frente a la imponente armada de guerra norteamericana que se aproxima por el Pacífico. Sin más defensa que la pura voluntad y las rocas volcánicas de la propia isla, la táctica sin precedentes del general Kuribayashi transformó lo que se preveía como una derrota rápida y sangrienta, en casi 40 días de combate heroico e ingenioso.

Cerca de 7.000 soldados americanos murieron en Iwo Jima; más de 20.000 efectivos del bando japonés lo hicieron allí también. Las arenas negras de Iwo Jima se tiñeron de su sangre, pero sus sacrificios, sus esfuerzos, su coraje y su compasión perviven en las cartas que enviaron a casa.

Clint Eastwood sigue creando obras maestras. Con “Cartas desde Iwo Jima”, se consagra como uno de los directores más interesantes, precisos y versátiles de la industria americana y mundial. La película es la continuación y la contraparte de la primera entrega: “La conquista del honor”. La cual narra la versión y visión “americana” de la batalla de Iwo Jima pero con una diferencia bastante clara en cuanto a guión, personajes y técnica cinematográfica.

A pesar de estar ambientada en un espacio y tiempo especial, valga decir, durante la Segunda Guerra Mundial, no nos muestra trágicos y cruentos pasajes (salvo el del suicidio). En ese sentido, el director observa con detalle al soldado nipón y le da un lugar privilegiado en la pantalla. Lo examina, lo subyuga al espectador que registra sus sentimientos y que recorre su mente (junto con sus flash-back).

La tristeza está presente pero escondida. La nostalgia se nota por sus pensamientos pero sus acciones son heroicas y valientes. Casi al final, una escena memorable refleja todo el temor y el miedo que tenían dentro de sus corazones. En el momento cuando el General Kuribayashi y el soldado Saigo se encuentran, pareciera que sus fuerzas y su valentía se resquebrajan. Saigo duda, el general duda más sobre su misión y sus objetivos, el climax se pone tenso, pero estos mágicos segundos duran poquísimo porque regresan a la realidad y todo vuelve de nuevo al principio, a esperar la inevitable muerte.

Ken Watanabe, protagonizando al general Kuribayashi es inteligente, muy minucioso, con un pasado del cual comparte con sus enemigos al haber viajado antes a Estados Unidos y haber tenido amigos americanos. Watanabe es parco en sus movimientos pero tiene gestos que revelan fuerza y energía.

“Cartas desde Iwo Jima” es una película que muestra japoneses peleando una guerra y seres humanos tratando de sobrevivir con el peso de pensar en una inevitable suerte. La esperanza es lo último que se pierde. La vida se valora hasta el último segundo. Iwo Jima es una isla sagrada, con foráneos con el deseo de despojar hasta el último ser viviente. Una isla que cobija en sus entrañas (en sus túneles), a soldados dados de baja y destinados a morir en ese lugar, a panaderos que por mala fortuna fueron destinados a luchar por su imperio. Una película altamente recomendable, lástima que no haya ganado el Oscar a mejor película ni mejor dirección. A continuación el trailer.

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"La Consagración de Clint Eastwood como Director"

miércoles, 20 de mayo de 2009

Grindhouse

Directores: Robert Rodríguez y Quentin Tarantino
Año: 2008 País: EE.UU Género: Terror/Acción Puntaje: 09/10
Interpretes: Freddy Rodriguez, Bruce Willis, Rose McGowan, Josh Brolin, Kurt Russell, Zoe Bell, Rosario Dawson, Vanessa Ferlito y Quentin Tarantino

Grindhouse es una película de terror dividida en 2 partes, una dirigida por Tarantino y la otra por Robert Rodríguez, siendo cada una de ellas de algo más de una hora de duración. Grindhouse es el nombre de las salas donde, en los años setenta, se proyectaban las clásicas "exploitation", películas de bajísimo presupuesto en las que el terror, la violencia y el sexo campaban a sus anchas. Tarantino y Rodríguez quieren hacer aquí un homenaje a este tipo de cine y a las salas donde se proyectaba.

Planeta Terror

“Planeta Terror", dirigida por Rodríguez, se trata de una película de zombies protagonizada por Freddy Rodríguez, Rose McGowan y Josh Brolin. En un pequeño pueblo de Texas los afectados por un extraño virus se convierten en un ejército de agresores enloquecidos.

Cherry (Rose McGowan), una bailarina de striptease lisiada, y su ex-novio Wray (Freddy Rodríguez) dirigen un espontáneo equipo de guerreros, para enfrentar a estos zombies, adentrándose en la noche hacia un destino que dejará millones de afectados, infinidad de muertos y unos cuantos afortunados supervivientes que lucharán por encontrar el último rincón seguro en el mundo.

Lo mejor de todo es la espléndida, carismática y extremadamente bien llevada galería de personajes: interpretados todos ellos con acierto, el grupo de supervivientes es un carismático ejemplo de como hay que juntar personajes poco a poco en un film de estas características.

Rodriguez le da tiempo a preparar la acción durante una hora antes de la explosión de visceras final, y a mostrar decorados gozosamente lúgubres: ver todo lo ocurrido en el hospital, o en la barbacoa de J.T , o la memorable pérdida de un rollo de película, en el peor momento posible.


A Prueba de Muerte

Dirigida por Tarantino y la mejor de la dos cintas, gira en torno a un psicópata de la carretera (Kurt Russell), un asesino en serie que va aniquilando a sus víctimas, siempre chicas jóvenes, con su coche de especialista que es llamado "a prueba de muerte".

La película tiene todos los ingredientes que han hecho famoso a Tarantino: sangre, violencia y muchas dosis de juego aéreo. Es una cinta para disfrutar en el homenaje a las películas de serie B sin esperar encontrar una obra maestra. El director norteamericano hace lo mejor que sabe hacer.

El resultado es el que podía esperarse: una auténtica película de serie B, sumado a esto grandes persecuciones y fulminantes choques, y eso bueno porque Tarantino está a gusto haciendo lo que le da la gana, y se le nota: hace un pequeño cameo. Además, la elección de la banda sonora sigue siendo soberbia como en todas sus películas.

La media hora final de la película de Tarantino es una larga persecución y el cuidado visual de “A Prueba de Muerte” se extiende bastante más allá de simular que la cinta es vieja, Kurt Russell con diferencia es el mejor actor de la película haciendo de un gran papel como maniático, En fin, una espectacular película, que aunque con algunas rémoras es muy entretenida. Recomendada para los amantes del cine de Tarantino.

Sangrienta y muy buena diversión. El desfasado terror de Rodriguez es más divertido en plan absurdo, pero el de Tarantino tiene mejores diálogos y una de las más deslumbrantes persecuciones de coches de las que se tienen memoria. Una gamberra sacudida de escapismo nostálgico. Aqui el trailer.

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"Un Gran homenaje al Cine B"

martes, 19 de mayo de 2009

Mi Pie Izquierdo

Director: Jim Sheridan
Año: 1989 País: Irlanda Género: Drama Puntaje: 09/10
Interpretes: Daniel Day-Lewis, Brenda Fricker, Alison Whelan y Kirsten Sheridan

Melancólica cinta basada en hechos reales, Narra la inspiradora vida de Christy Brown (Daniel Day-Lewis), un escritor y pintor irlandés aquejado de parálisis cerebral, cuya tenacidad lo llevo a romper todas las barreras que impedían su integración en la sociedad. Un conmovedor ejemplo de superación y lucha por conseguir las metas.

El film recoge la evolución de un muchacho con una grave minusvalía a causa de una parálisis cerebral, que solamente le permitirá utilizar su pie izquierdo. A partir de aquí, desarrollará como compensación, una gran capacidad intelectual, que lo convertirá en un reconocido artista, y como no, tópico modelo de superación.

Brillante biopic, llevado de la mano de uno de los directores y guionistas irlandeses más prolíficos y exitosos de los últimos tiempos, hablamos de Jim Sheridan, quien toma el libro autobiográfico "My left foot" y lo conjuga en este agridulce film que relata los primeros años de vida de su excéntrico autor.

De manera fiel se retrata la vida del artista irlandés en una historia no exenta de momentos divertidos que no sólo sirven para hacer mas "liviano" el film, sino para recrear sin lamentos ni sollozos fáciles o de escasa profundidad (como se suele hacer en la mayoría de cintas que repasen la vida de intelectuales o famosos) las peripecias de este fascinante personaje interpretado también de forma fascinante por Daniel Day-Lewis.

La música del filme se basa en un cuarteto de cuerdas, flautas, piano y harpa. Con melodías cálidas, trata de expresar los sentimientos del muchacho. La fotografía desarrolla una narración visual que subraya las incidencias de la acción con detalles emocionantes. El guión, realizado por el director y un ayudante, traza una descripción convincente del protagonista y de sus allegados. Sumado a estos las grandiosas interpretaciones llega a deslumbrar al espectador.

No en vano la cinta tuvo un reconocimiento a Brenda Fricker y a Daniel Day-Lewis (quien se llevo su primer oscar por esta película), esta cinta resalta por sus memorables encarnaciones, aunque esta no es la única prueba de la grandeza de un film perfectamente ejecutado mire por donde se le mire.

"Un Filme lleno de Esperanza y Superación"


domingo, 17 de mayo de 2009

Sueños de Fuga

Director: Frank Darabont
Año: 1994 País: EE.UU Género: Drama Puntaje: 10/10
Interpretes: Tim Robbins, Morgan Freeman y Bill Sadler

Una maravillosa película basada en la mistad, la perseverancia y el sueño de ser libre, Andy Dufresne (Tim Robbins) es un joven banquero que es condenado de manera injusta a cadena perpetua por el asesinato de su esposa y su amante, En prisión entablará amistad con Ellis “Red” Redding (Morgan Freeman), un preso muy respetado dentro del recinto de máxima seguridad.

Excelente cinta de Frank Darabont (director de otra buena película como es “Milagros Inesperados”) basada en relato de Stephen King esta quizás sea una de las mejores películas carcelarias de todos los tiempos y una de las mejores películas de los 90... Todo un clásico moderno.

Durante su estancia en la cárcel Dufresne ayudara a los carceleros y al alcaide en sus papeleos y fraudes bancarios. Para recrearse en esa prisión monta una biblioteca y ayuda a un joven delincuente a graduarse por correspondencia. Pero, a pesar de todo, ve destruidos sus sueños, se harta de ese lugar repleto de corrupción e hipocresía y termina por marcharse.

La película esta llena de gran carga dramática, pero en ningún momento cae en la sensiblería más cursi (me quedo con la durísima escena en que uno de los presos, ya mayor y recién salido del centro penitenciario, al no poder adaptarse al nuevo modo de vida, pues ha pasado casi toda su vida encerrado entre 4 paredes y unos cuantos barrotes, se suicida).

Sus maravillosos diálogos, su magnífico estudio de los personajes y sus psicologías, la magia que despierta el personaje de Robbins... en fin, absolutamente todo, ayuda aún más a que “Sueños de Fuga” se alce como una película que merece, y mucho, estar entre el selecto club de las grandes películas. Y sobretodo su final, una de las mas bellas que he visto.

No obstante, y a pesar de toda la dureza y las pocas concesiones que la película ofrece, al final siempre surge un pequeño atisbo de esperanza., pues “Sueños de Fuga” es eso al fina, un precioso canto a la vida, una oda a los sueños (siempre realizables al fin y al cabo) una obra maestra. He aquí el trailer.

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"Un Clásico Moderno"