miércoles, 29 de julio de 2009

Casino

Director: Martin Scorsese
Año: 1995 País: EE.UU Género: Gansters Puntaje: 10/10
Interpretes: Robert De Niro, Sharon Stone, Joe Pesci, James Woods, Don Rickles y Alan King

Soberbia y genial película del maestro Scorsese, Las Vegas, 1973, Sam "Ace" Rothstein (Robert De Niro), un profesional de las apuestas en carreras de caballos, es elegido por un grupo de mafiosos como director de un importante casino. Su misión es controlar el funcionamiento del negocio, y asegurar que la corriente de dinero que va a parar a manos de sus jefes siga fluyendo. Las Vegas es una ciudad que brilla con luz propia; un lugar ideal para millonarios y políticos, pero es también lugar de paso de jugadores de bajos fondos, prestamistas, traficantes de drogas, matones...

La cinta tiene una muy original estructura narrativa, donde dos voces en off se superponen para guiarnos a lo largo de esta ascensión y caída a los infiernos de tres personajes ambiciosos: Robert De Niro (actor fetiche de Scorsese) interpreta al gerente de un casino controlado por la Mafia, su labor es supervisar y asegurar que el continuo flujo de dinero hacia sus jefes no se interrumpa; Joe Pesci, es el antagonista de De Niro, es el matón al viejo estilo, el que quiere conseguir sus propósitos por la vía rápida. Entre ellos aparece una prostituta de lujo (Sharon Stone), no menos ambiciosa que los anteriores, que propicia el previsible final trágico y sangriento.

Es una crónica de la mafia, que arranca en las mismas “Malas calles” (1973) donde han arrancado tantas buenas películas de este director, pero de pronto da un giro, y nos traslada al maravilloso mundo de los sueños que pueden hacerse realidad, a la ciudad de las luces y del color, a esa Las Vegas, convertida en un antro de perversión, donde sin embargo todos los miembros de tan insólita comunidad, buscan con denodado interés la respetabilidad, haciendo ver al espectador una misma situación desde dos puntos de vista lo que ayuda a comprender la extraña relación entre los personajes, para llegar a un final, que aunque al igual que en “Belleza Americana” se narra al principio del film, llega a sorprender.

Seguro stamos ante el último buen papel de De Niro hasta el momento que casa perfectamente con su ya habitual pareja Pesci, y con un gran papel de Sharon Stone que no se limita ha realizar el típico papel de Señora de, sino que aprovecha muy bien el papel y alcanza registros que no se habían visto en esta actriz, merecido pues el Globo de Oro que ganó por su actuación en la cinta. De destacar también todos los papeles secundarios, en especial el de James Woods, papel que creo le supuso el impulso que le faltaba en su ya buena carrera.

Quizás la única pega que encuentro en la película sea el sonido. La banda sonora es un poco pobre incluso para lo que nos tiene acostumbrado el director. En algunas escenas se hace patente la falta del toque musical para afianzar la acción, que por otra parte, pero igual esto no hace nada en contra de la calidad que la cinta tiene, y como es habitual, se compensa con una fotografía magistral por parte de Richardson, encargado también de la fotografía de éxitos tales como Kill Bill o El Aviador. Unos geniales planos abiertos que hacen facinar al espectador.

“Casino” es una excelente demostración de buen cine y de profundo conocimiento del mundo de la Mafia, que es como decir de los intestinos y todo lo más innombrable del Poder y, de alguna manera, del alma humana, y que demuestra que detrás del joven airado que alumbró títulos imprescindibles como “Taxi Driver” y “Toro salvaje” había un brioso cineasta con temple y coraje para sacar adelante historias inolvidables como este “Casino”, una de las indiscutibles obras maestras de un realizador que posee una mirada singular. Aquí el trailer.

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"Tiene la grandeza del cine negro clásico americano del que Scorsese es el mejor heredero"

lunes, 27 de julio de 2009

El Laberinto del Fauno

Director: Guillermo del Toro
Año: 2007 País: España/México
Género: Drama/Fantástico Puntaje: 10/10
Interpretes: Sergi López, Ivana Baquero, Maribel Verdú, Doug Jones, Ariadna Gil, Álex Angulo, Federico Luppi y Roger Casamajor

De lejos el mejor filme del director mexicano Guillermo del Toro, Año 1944, tras la victoria de Franco. La niña Ofelia (Ivana Baquero) y su madre, Carmen (Ariadna Gil), convaleciente a causa de un avanzado estado de gestación, se trasladan hasta un pequeño pueblo en el que se encuentra destacado el nuevo marido de ésta, Vidal (Sergi López), un cruel capitán del ejército franquista por el que la niña no siente ningún afecto. La misión de Vidal es acabar con los últimos vestigios de la resistencia republicana que permanecen escondidos en los montes de la zona.

También allí se encuentra Mercedes (Maribel Verdú) una joven que se encuentra a cargo de los demás miembros del servicio y el doctor (Álex Angulo) que se hará cargo del delicado estado de salud de Carmen. Una noche, Ofelia descubre las ruinas de un laberinto y allí se encuentra con un fauno (Doug Jones), una extraña criatura que le hace una increíble revelación: Ofelia es en realidad una princesa, ultima de su estirpe, a la que los suyos llevan mucho tiempo esperando. Para poder regresar a su mágico reino, la niña deberá enfrentarse a tres pruebas que poco a poco irá superando.

El laberinto del fauno no es (como dicen por allí) la “Alicia en el país de las maravillas española”, sino un cuento totalmente poético y simbólico con verdaderas escenas de terror. Lo que Guillermo del Toro quiere contarnos, y ahí va el mensaje de la película, es lo siguiente: la realidad se impone ante la ficción. Es una moraleja, si así se puede decir, terrible, pero increíblemente original si se sabe tratar bien. Y aquí del Toro se supera, en la creatividad. Cada secuencia tiene un significado, real o imaginario, cada hecho tiene su principio y su final, cada escena muestra su lado más oscuro y brillante a la vez.

Para representar este paralelismo (el de ficción y realidad), y situándonos en la post guerra española, el excelente director de fotografía Guillermo Navarro ha optado por añadir tonalidades oscuras y grises a las escenas donde aparece el mundo real y, no dejando de banda el hecho de que las imaginarias son realmente angustiantes y no muy agradables, ha añadido colores más pintorescos en ellas. Atentos a la escena del banquete, porque allí, todos los colores son muy propios de los mexicanos (rojos, naranjas, azules y amarillos). Y también fijaos en las tonalidades que les da a la noche y día. En la primera, son todos más azules y naranjas, y en el segundo, verdes y grises. Pero ante todo, decir que es una película excesivamente (sin ser malo) oscura. Vamos, como todas las del director.

La película trata temas delicados y a la vez difíciles, como son la post guerra, la muerte, la satisfacción de uno mismo, la imaginación de una niña y la maldad en sí. Y es que pocos directores son como Guillermo, o sea, que tienen su propio estilo para contar estos temas. Es realmente difícil tocar tantos a la vez y que te quede una cinta como esta, perfecta, equilibrada, con sentido. Por su gran calidad, por eso no explico porque no haya ganado el oscar 2007 a la mejor película extranjera. En conjunto, El laberinto del fauno es inolvidable, ya sea por su desbordante creatividad e imaginación o por su talentosa e impecable dirección.

Dentro del increíble reparto, no destacan dos o tres, sino todos. Tanto Sergi López (Vidal), en el mejor papel de su carrera, lleno de maldad; Maribel Verdú, una actriz que nunca me ha gustado hasta ahora, que demuestra, a parte de tener estilo actuando, que lo hace estupendamente (atentos a la escena del bosque); Doug Jones, interpretando uno de los papeles más difíciles de la película magistralmente, el fauno; Ariadna Gil, a la que apenas la vemos poco (pero más que Federico Luppi, que aparece exactamente 5 segundos), pero disfrutamos de su preciosa voz; Alex Angulo, ese gran actor que tiene cara de médico; Roger Casamajor, como el hermano de Mercedes (Verdú), en un papel estupendo; y por último, la debutante (en papeles protagonistas) Ivana Baquero, un auténtico prodigio de niña a la que le daría el Goya ya mismo. En definitiva, que como podéis ver, del Toro se ha rodeado de lo mejorcito de la interpretación española. Aquí el trailer.

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“Una fabula oscura, extraordinaria y cruel a la vez”

jueves, 23 de julio de 2009

Carretera Perdida

Director: David Lynch
Año: 1997 País: EE.UU Género: Thriller/Intriga Puntaje: 08/10
Interpretes: Bill Pullman, Patricia Arquette, Balthazar Getty y Robert Blake

Fred Madison (Bill Pullman), un saxofonista, se encuentra envuelto en un extraño misterio al descubrir que su esposa Renee (Patricia Arquette) ha sido asesinada en su propia casa. La secuencia de su homicidio ha sido captada por una cámara cuyas imágenes son reproducidas en el magnetoscopio de Fred. Al verlas, el saxofonista entiende que podría ser el criminal. A partir de entonces, entra en un mundo paralelo, al albur del juego propuesto por un sádico gángsters llamado Dick Laurent.

El juego de deconstruir la realidad en elementos simples para volver a reconstruirla en un mundo igualmente complejo pero sin relación con el anterior parece ser el entretenimiento favorito de David Lynch. En “Carretera Perdida” esto se vuelve un juego interminable e incluso desesperante. Es por ello que no es una apuesta segura entrar a descifrar la estrategia detrás de los movimientos del David Lynch, es un director que concede muy poco a quien se enfrenta a sus películas, ya que te hace dar vueltas alrededor de un vacío, donde todo la trama está atada a un momento crucial del cual te da pocas o ninguna pista.

Los toques de humor negro y los personajes extravagantes constantes en la filmografía del director también se dan cita aquí, como en la hilarante secuencia en la que el mafioso es adelantado por otro automóvil a toda velocidad. Antes de ser adelantado, ese coche se "pega" demasiado al suyo por detrás, lo que enfurece al personaje de Loggia y decide perseguirlo, hasta que consigue empujarlo fuera de la carretera y hacerlo parar. Inmediatamente, el mafioso se baja del coche, se acerca al tipo que lo adelantó y empieza a golpearlo brutalmente, realmente fascinante.

Esta discutible filme se tambalearía si considerásemos que la historia no está contada con una estructura lineal, una opción más que posible en el universo "lynchiano". En cualquier caso, más allá de la explicación o no de lo que realmente ocurre, a esta película no hay que valorarla por lo que nos cuenta, sino por cómo nos lo cuenta. Lynch aplica en la primera parte de la película (hasta que se produce la detención) mucha calma, mucha lentitud, y mucho silencio (tan sólo roto cuando vemos una brutal escena en la que Pullman toca el saxo frenéticamente, como insinuando que ha caído en la locura).

Mientras que en la segunda parte se produce el desenfreno, la caída a los infiernos de la locura más extrema y los extraños sonidos cacofónicos. Desde luego, la música (obra del extraordinario Angelo Badalamenti) y la imagen forman un perfecto conjunto capaz de dejar perplejo a cualquiera. Lynch dirige un film cuyo objetivo primordial es producir sensaciones perturbadoras en el espectador a través del contraste entre la calma y la sugestión con la locura de la violencia, el sexo y el crimen más desatado, acompañado por una música estridente que logra incrustarse en los oídos.

David Lynch una vez nos deleita con una perturbadora y onírica película, a través de un guión circular y una historia deformada, como si hubiese sido pasada por el laberinto de los espejos de un espectáculo ambulante, de un circo de los horrores. Señoras y señores, pasen y vean. El espectáculo está garantizado...Aquí el trailer.

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"Otro fascinante cuento de Lynch; enigmática, claustrofóbica y circular”

lunes, 20 de julio de 2009

Expiación, Deseo y Pecado

Director: Joe Wright
Año: 2007 País: Inglaterra
Género: Drama/Romántico Puntaje: 08/10
Interpretes: Keira Knightley, James McAvoy, Romola Garai, Saoirse Ronan y Vanessa Redgrave

En el verano de 1935, Briony Tallis (Saoirse Ronan), una precoz escritora de 13 años, cambia irremediablemente el curso de varias vidas cuando acusa al amante de su hermana mayor Cecilia (Keira Knightley), al joven Robbie Turner (James McAvoy), de haber cometido un crimen en el que no tuvo nada que ver... Los productores y el realizador de "Orgullo y prejuicio" vuelven a unirse en este aclamado drama basado en la premiada novela del 2002 del mismo título.

Luego de la adaptación de “Orgullo y prejuicio”, Joe Wright vuelve a contar con Keira Knightley en un interesante papel que lejos está del verdadero rol protagónico de la película, a cargo de Saoirse Ronan y Romola Garai, mas una participación al final de Vanessa Redgrave. Todas ellas interpretan a Briony Tallis, el personaje de la hermana de Cecilia (Knightley), quien carga con todo el peso dramático del guión y de la novela homónima. Una pequeña pero compleja anécdota, la mentira de la joven Briony que lleva a prisión a Robbie, el novio de su hermana, y termina separando a ambos.

Esto sirve de base para cruzar temas vinculados con la moral victoriana, el amor y la religión, con la Segunda Guerra Mundial como telón de fondo. La trama cambia 100% cuando se empieza a relatar la participación de Robbie en el ejército, y pinta escenas con un tono bello, cuasi bucólico (el mismo que tiñe todo el relato). Un punto a favor ala película también es la música ya que cuenta con un diseño sonoro funcional e inteligente, las teclas de la máquina de escribir de Briony sirven de para dar ritmo al filme.

Nos encontramos ante una película que es puro cine británico, tanto en la concepción de la historia (basada en el libro de Ian McEwan), como en la de los propios personajes, la puesta en escena. El filme es de ritmo pausado, el director se toma su tiempo para mostrarnos a los personajes, esto hace que en ciertos momentos se haga un poco pesada la historia, pero son momentos que pronto se esfuman ante la aparición de alguna sorprendente escena, y es que Joe Wright tiene mucho futuro si continúa dirigiendo así, ya que la película, a nivel de encuadres, colocación de cámara, etc.... creo que es perfecta (y yo no es que sea un gran entendido, pero es que el tipo sabe colocar la cámara, de eso no me cabe la menor duda).

Ahora creo que es el momento de hablar de la que para mí es realmente la protagonista, y esa es sin duda Briony Tallis, la hermana pequeña de Cecilia, y a la que interpretan a lo largo de la película tres actrices diferentes, cada una en una etapa de edad del personaje. Para la niñez la actriz es Saoirse Ronan, la cual me dejó impresionado sobre todo por la intensidad de su mirada, y es que la niña lo hace genial, mostrándonos a un personaje un tanto cruel e irresponsable, que no mide (ni entiende) las consecuencias de sus actos. Para la juventud la actriz elegida es Romola Garay, en la que se podría describir como el rostro de la culpa, una Briony que ya ha llegado a comprender las consecuencias de sus acciones.

Por último está la Briony anciana, en la que se nos muestra una excelente Vanessa Redgrave, sinceramente, la actuación de esta última, aunque breve, es realmente arrolladora, increíble, sin duda es la mejor de todas las Briony, su aparición es más que emotiva. En cuanto al resto del reparto, pues todos lo hacen maravillosamente bien, el casting es perfecto. En definitiva, estamos ante una gran película cuyo mayor defecto es su lentitud, pero que se ve suplido por unas fantásticas interpretaciones y una cuasi perfecta dirección. Aquí el trailer.

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"Un filme desgarrado y doliente a lo largo de su metraje”

sábado, 18 de julio de 2009

El Efecto Mariposa

Directores: Eric Bress y J. Mackye
Año: 2004 País: EE.UU Género: Thriller/Drama Puntaje: 08/10
Interpretes: Ashton Kutcher, Amy Smart, Kevin Schmidt, Melora Walters y Elden Henson

Trepidante y alucinante filme de corte independiente, Evan Treborn (Ashton Kutcher) , un joven que se está esforzando por superar unos dolorosos recuerdos de su infancia, descubre una técnica que le permite viajar atrás en el tiempo y ocupar su cuerpo de niño para poder cambiar el curso de su dolorosa historia. Sin embargo también descubre que cualquier mínimo cambio en el pasado altera enormemente su futuro.

"El efecto mariposa" es una de esas películas que parten de premisas que en principio suelen agradar al público. En este caso nos encontramos con una historia en la que un niño sufre una enfermedad que le hace olvidar parte de sus recuerdos, siendo algunos de ellos ciertamente dramáticos y capaces de marcar desde la infancia a cualquier ser humano (la existencia de un pedófilo o el hecho de que aquello que comienza como una simple broma, introducir un potente petardo en el buzón de una familia, se pueda tornar en des-gracia cuando éste es abierto por una mujer que lleva a su bebé en brazos; dicho pasaje, expuesto a través de un “flashbacks”, es uno de los claros aciertos de la narración que acometen los directores y guionistas de la cinta.

Es una película que se deja ver y que incluso a ratos entretiene, aparte de plantear cuestiones interesantes, ya no tanto por referirse a los manidos viajes en el tiempo y a sus consecuencias, sino por el hecho de que al finalizar su metraje se revela en nuestras mentes una pregunta que a cualquier persona se le puede haber presentado alguna vez a lo largo de su vida: ¿y si pudiéramos regresar al pasado y conseguir con ello cambiar algún indeseable suceso de nuestra existencia? ¿Qué consecuencias provocaría ello y hasta qué punto resultaría imposible subsanar ciertos errores del ayer? Desde este punto de vista, "El efecto mariposa" se convierte en una obra interesante, mas es evidente que su desarrollo no deja al espectador del todo satisfecho, pues éste tiene la sensación de que en verdad se le pudiera sacar algo más de provecho a tan jugosa idea.

Durante su media hora inicial casi no vemos a Ashton Kutcher, ya que se nos cuenta la historia justo cuando su personaje es más joven, aparte de sucederse un buen número de “flashbacks” que provocan que su aparición en la pantalla se reduzca. Pero aunque sea un poco forzada la actuación de Kutcher, este no desafina en el metraje. El trabajo de Amy Smart es sin duda más meritorio, puesto que el carácter de su personaje varía según sea el modo en que Evan transforma su pasado y el de los que lo rodean. Finalmente, destacar la eficacia de los fragmentos dramáticos de la partitura (el protagonista golpeando a Tommy), que, no obstante, cae en lo convencional cuando el compositor utiliza tonalidades misteriosas y enigmáticas.

Cada situación que se les presenta al personaje de Kutcher es una especie de recuento, de tópicos ya vistos en el cine, pero que puestos en escena se hacen magistrales, pudiendo ver en retrospectiva el porque de esas situaciones; para mi es uno de los guiones mas originales que se hayan escritos, la calificación que le di a la película de fue excelente, puede que no sea un drama de tres horas o que este protagonizada por actores semidesconocidos, y que este dirigida aun cine palomitero, pero para mi es toda una obra maestra, con un ritmo trepidante y que en ningún momento se convierte en una película aburrida, no juzguen a esta película solo por su protagonista, véanla desde otra perspectiva y como cada una de las situaciones que se presentan a lo largo del filme.

A veces pensamos que las decisiones que tomamos en la cotidianidad no afectan en nada en nuestras vidas, el efecto mariposa tal vez no será reconocida, como una obra maestra, pero al menos si tiene un sitial muy alto en las llamadas películas de culto. Como punto aparte en mi critica por favor a los que le haya gustado esta película no se les ocurra ver una secuela bastante pobre que salio directo en formato de video, se los advierto es demasiado mala, siendo una copia burda y barata, pero volviendo con esta película te hará reflexionar con un final muy bien logrado. A continuación el trailer.

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"Disparatada y delirante somete al espectador a un suplicio de inconcebibles vueltas de guión"

viernes, 17 de julio de 2009

Perdidos en Tokyo

Directora: Sofia Coppola
Año: 2003 País: EE.UU Género: Comedia/Drama Puntaje: 09/10
Interpretes: Bill Murray, Scarlett Johansson, Giovanni Ribisi y Anna Faris

Una de las mejores películas de los años 2000 y la consagración de la hija de Francis Ford Coppola como directora, la historia se basa Bob Harris (Bill Murray) un conocido actor norteamericano de capa caída que acepta participar en un anuncio de whisky japonés para ello va Tokio. En su visita a Japón, experimenta un considerable choque cultural. Precisamente en el bar del hotel conoce a Charlotte (Scarlett Johansson), una mujer de veintitantos años que está casada con un joven fotógrafo. Éste se encuentra en Tokio cumpliendo un encargo profesional y, mientras trabaja, su mujer distrae el tiempo como puede. Además del común aturdimiento ante las imágenes y los sonidos de la inmensa ciudad, Bob y Charlotte comparten el descontento con sus vidas.

“Perdidos en Tokio” significa la confirmación que Sofia Coppola posee una sensibilidad no propia de este mundo, una historia de alegres perdedores que buscan algo que les de sentido a su vida. Es la historia de Bob Harris, un antihéroe de los antiguos, para quien dejar es el sinónimo mayor del amor. Una historia contradictoriamente de encuentros más que de pérdidas. Y todo esto ocurre en un lugar multicultural como es Tokyo, que es testigo dos almas parecidas que se encuentra por casualidades de la vida.

El primer plano del film es impactante: la cámara fija en un joven culo femenino, estático, después gira hacia la izquierda recorriendo la espalda de la protagonista. Ese es el primero de muchos planos que revelan la delicadeza de Coppola a la hora de la composición, también son muy buenos los registros de los breves encuentros entre Bob y Charlotte, Coppola ejerce la magia de la imagen. Lo logra también al fotografiar el extrañamiento de la atmósfera de Tokyo, con sus luces, muchedumbres y bares bizarros, en los espacios indescifrables donde reside lo que se pierde en la traducción.

Entre otras, “Perdidos en Tokyo” narra una historia de amor. No hay mapas para orientarse en esa relación sin nombre que nace de miradas, de encuentros en el bar, y se desarrolla entre silencios, escapadas cómplices, recorridas por esos espacios ajenos, hasta llegar a un entendimiento, a una intimidad que atraviesa los treinta años que los separan y es superior a la de tantas parejas convencionales que vemos en el cine. Basta ver la hermosa escena en que Bob canta “More than this” en un karaoke dedicada a Charlotte, para entender que se vive un momento de alta expresividad y comunicación. O el elocuente, maravilloso plano que toma a ambos en la cama, donde un mínimo roce de una mano está cargado con un amoroso erotismo pocas veces visto.

Sobre la última conversación que tienen al oído, sobre la sonrisa de Charlotte perdiéndose entre tanta gente. El triunfo de la derrota se me ocurre. Y es que aparentemente todo estaría construido para acabar como siempre acaban las películas. Tenía miedo que Sofía Coppola arruine en dos minutos todo. Pero no. “Perdidos en Tokyo” no termina como comedia romántica y menos se convierte en esas películas que anulan al espectador, que lo invitan a no pensar, que convierten al cine en un plano espectáculo de minutos. La película termina con la satisfacción de la consecuencia, con la renovación de alguna esperanza, casi igual a la alegría nostálgica del ocaso del verano.

Esta película hace todo casi perfecto. Crea atmósferas, pone la música exacta, elige a los actores indicados. Quizá el único pero que se le pueda poner a la película es aquella imagen ridícula que se tiene de los japoneses. El prejuicio: bajo, ridículo, copión es expuesto en algunas partes de la película. No creo que haya mala intención en la película, pero igual es muy buena. Aquí el trailer.

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“Comedia vivificadora, de gran vuelo lírico y poderoso calado irónico"

miércoles, 15 de julio de 2009

Up, Una Aventura de Altura

Director: Pete Docter y Bob Peterson
Año: 2009 País: EE.UU Género: Animación Puntaje: 10/10
Productora: Disney/Pixar

Una nueva maravilla de los estudios de Pixar, narra la historia de Carl Fredricksen un vendedor de globos de 78 años que decide cumplirle el sueño a su esposa (que esta muerta) y llevar su casa hacia las Cataratas del Paraíso mediante la incorporación de miles de globos atados a la chimenea de la misma. En el vuelo un pequeño e inquieto explorador va a ser su acompañante y juntos van a tratar de cumplir su objetivo.

Con su décima película, no vale destacar una vez más el ingenio y la excelente labor de los responsables que hay detrás de la marca Pixar, sino que hay que alabarlos por mantener la calidad y el espíritu que los caracteriza film tras film al pasar los años. "UP" es sencillamente una de las mejores películas de esta productora, una cinta llena de buenos momentos de comedia, pero que por sobretodo presenta un alma que muy pocas películas actuadas logran desarrollar, un mensaje bellísimo y como siempre personajes delirantes que van a ser recordados con paso del tiempo.

El film empieza mostrando, en blanco y negro, la inocente historia de la infancia de Carl, todo su pasado hasta que se llega al presente. Esos primeros veinte minutos son los más emocionantes de toda la película y uno de los pocos ejemplos del cine que ni bien empezada la proyección la emoción se apodera de las lágrimas del espectador. Increíble escena inicial, muy delicada, tierna y emotiva. Realmente una delicia para la retina. (también recomiendo ver el corto que viene con esta peli se llama "Partly Cloud", es una verdadera obra maestra).

El film básicamente narra los hechos de un hombre mayor y solitario que al habérsele pasado la vida por delante trata de cumplir su mayor sueño y regalárselo a su querida esposa, pero a su vez se junta con un pequeño niño, solitario, con problemas familiares, cuyo único objetivo es tratar de cumplir su sueño, tener una insignia más en su pechera. Los dos tienen fantasías y esperanzas en la vida, sean grandes o chicos, siempre hay oportunidades para poder cumplirlas, solo es cuestión de empeño por hacerlas realidad.

Todo lo que sucede se basa en la vida real, en la superación de problemas. Hoy estoy bien, mañana estoy mal, pero pasado estaré mejor. Todo está tomado desde un punto de vista muy delicado y verosímil, contando cada uno de los problemas y vueltas que la vida te ofrece, porque es eso, la vida nos hace enfrentar problemas todos los días y es solo cuestión personal el tratar de superarlas y seguir adelante. Hay cuestiones, como la perdida de los hijos del ave, que solamente Pixar puede desarrollarlas con tal profundidad hasta llegar a las lagrimas. Mensajes para pensar y reflexionar.

"Up" es en simples palabras una obra de arte, otra de las joyas de Pixar. Un film que es mucho más que tan solo un angustiado anciano que se va al exterior en una casa llena de globos. Una película muy tierna y con un mensaje muy fuerte. Con escenas cómicas muy bien logradas, personajes que quedaran en la historia y con una belleza ambiental inigualable. Una de las mejores películas de la productora y una de las más inteligentes y sólidas propuestas de este 2009. ¿Cuando sabemos que hemos alcanzado el sueño que queríamos cumplir: cuando tu mente te lo dice o cuando el corazón lo afirma? A no perdérsela. Aquí el trailer.

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" Maravillosamente divertida y conmovedora"

lunes, 13 de julio de 2009

Batman: El Caballero de la Noche

Director: Christopher Nolan
Año: 2008 País: EE.UU Género: Acción/Thriller Puntaje: 10/10
Interpretes: Christian Bale, Heath Ledger, Aaron Eckhart, Michael Caine, Gary Oldman, Maggie Gyllenhaal y Morgan Freeman

La mejor película de superhéroes que se ha filmado hasta ahora, Batman (Christian Bale) regresa para continuar su guerra contra el crimen. Con la ayuda del teniente Jim Gordon (Gary Oldman) y el Fiscal del Distrito Harvey Dent (Aaron Eckhart), Batman tiene como objetivo destruir el crimen organizado en la ciudad de Gotham. El triunvirato demuestra ser eficaz, pero pronto termina siendo presa del caos desencadenado por una nueva mente criminal que los aterrados ciudadanos conocen como El Guasón (Heath Ledger).

El director Christopher Nolan nos deja de sorprendernos. En “Batman: El caballero de la noche” nos ofrece mucho más que una película de acción basada en un cómic. Esta vez ha elaborado una contundente parábola sobre el enfrentamiento del bien y el mal, pero llevando los principios morales de los seres humanos a los más inquietantes extremos. Un trabajo único que supera ampliamente a su precuela “Batman Inicia”.

Siniestra. Así es la premisa sobre la que se van trazando las imágenes de “Batman: El caballero de la noche”. Y lo es porque Christopher Nolan parte de un oscuro planteamiento: la presencia de Batman en Ciudad Gótica, lejos de acabar con los delincuentes, ha exaltado tanto los ánimos del crimen organizado que ha conseguido fortalecer aun más las redes del bajo mundo causándole sentimientos encontrados.

Todo ello hace del Guasón (Heath Ledger) el verdadero espectáculo del filme. Ledger ofrece una verdadera creación, un personaje que responde en un primer momento a un acertado diseño de sus creadores pero que el actor lo va desarrollando con asombroso dominio de escena. No es un villano, ni un psicópata, ni una simple amenaza para las fuerzas del bien que encabeza Batman. Su Guasón es el mal mismo. Está más allá de lo humano. Es la perfecta encarnación de las fuerzas malignas desatadas para crear caos y confusión. Para corroer y corromper. Es físico y mental al mismo tiempo. Y su poder devastador por momentos parece contaminarnos.

Por eso el filme es en gran parte un triunfo tanto de Ledger como del Guasón. Porque al imponer su presencia como eje de los acontecimientos convierte al universo del filme en una suerte de territorio del mal. Y a ese efecto tan logrado se debe la conclusión pesimista de toda la parábola orquestada por Nolan. No menos interesante es el personaje del fiscal de distrito Harvey Dent (Aaron Eckhart) que pasa de ser el idealista político, hombre de acción y excelente estratega, a amargada víctima de las circunstancias. Pero igual esto no desmejora este gran filme.

Nolan ha creado con “Batman: El caballero de la noche” un prodigio fílmico que me recuerda en gran medida “El Paraíso perdido”, de John Milton, donde el demonio toma por asalto el mundo para corromper al hombre y convertirlo en fugitivo de su propia consciencia. Un filme conmovedor, tremendo en su discurso y cuyo desesperanzador final nos llena de los sentimientos más encontrados. A continuación el trailer de esta genial película.

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"Inquietante película que trasciende sus orígenes, convirtiéndose en una absorbente tragedia"

domingo, 12 de julio de 2009

Tiempos Violentos

Director: Quentin Tarantino
Año: 1994 País: EE.UU Género: Thriller/Acción Puntaje: 10/10
Interpretes: John Travolta, Samuel L. Jackson, Bruce Willis, Uma Thurman, Tim Roth, Harvey Keitel, Christopher Walken, Rosanna Arquette, Steve Buscemi y Quentin Tarantino

A mi parecer la mejor película de los 90 y la consagración definitiva de Tarantino, que luego de filmar “Reservorio de Perros” nos asombraría con esta obra maestra del cine moderno, narra tres historias paralelas la primera trata sobre de Jules (Samuel L. Jackson) y Vincent (John Travolta) que son dos asesinos a sueldo que trabajan para Marsellus Wallace. Antes de realizar uno de sus "trabajos", Vincent le confiesa a Jules que Marsellus le ha pedido que cuide de su novia, Mia (Uma Thurman). Comienzan a hablar sobre lo peligroso de sobrepasarse con la novia del jefe, pero llega la hora de trabajar y ambos deben ponerse en faena. Su misión: recuperar un misterioso maletín.

La segunda narra la historia de Butch, un boxeador que estafa a Marsellus Wallace, por ello será perseguido por sus secuaces, pero a Butch lo que más le importa es el reloj de oro que le entrego su padre (además tiene una historia tortuosa de cómo llega a él) y en la tercera historia vuelven los personajes de Travolta y Jackson esta vez envueltos en un problema de un asesinato para lo que necesitaran la ayuda del Sr. Lobo genialmente interpretado por Harvey Keitel.

El director y guionista de Knoxville exprime y conjuga con talento todas sus influencias culturales que abarcan desde las películas orientales de acción, pasando por series de televisión, el pulp (unas revistas ilustradas con llamativas portadas que contenían relatos básicamente de género negro, aunque se tocaban muchos otros temas como la ciencia- ficción o aventuras) hasta una gran retahíla de films de serie B clásico pertenecientes al género de acción que seguro pasaba horas y horas contemplando desde su puesto de trabajo en un pequeño videoclub.

Junto a su habitual colaborador en los textos, Roger Avary, Tarantino crea un guión totalmente creativo y vanguardista, ya que a lo largo del metraje va jugando con el tiempo y la historia de dos asesinos a sueldo encarnados por un recuperado John Travolta (gracias a este papel saldría de un prolongado ostracismo) y Samuel L. Jackson, con un personaje ciertamente memorable colmado de divertida filosofía ascética. Con este film Tarantino rompe el esquema del cine clásico y inventa una nueva forma de contar una historia.

Utilizando una estructura episódica, la película aborda no solamente los códigos de honor existentes entre mafiosos y matones, sino que sirve asimismo a su director para plasmar todo el sentir y actuar del pueblo estadounidense, visto claro está, desde sus propias referencias formativas, en un soez pero divertido e incisivo guión lleno de inesperados y resueltos giros; la violencia, el sexo, las drogas, la fast- food, los coches, los restaurantes temáticos, la televisión, la mezcla de culturas van desfilando por el metraje con un formato visual deslumbrante que sirve para dotar a la película de un constante ritmo, sin apenas altibajos a pesar de su larga extensión.

Con un sinfín de homenajes y citas a iconos y personajes de la cultura americana (desde Douglas Sirk hasta Marilyn Monroe, desde la pareja Lewis/Martin hasta el rock de los 50), una notoria banda sonora repleta de grandes canciones interpretadas por ilustres músicos del pasado, como el surfer Dick Dale, el soulman Al Green, los funkies Kool & The Gang, la maravillosa diva británica de los 60, Dusty Springfield, el padre del rock & roll, Chuck Berry o los contemporáneos Urge Overkill, versionando un viejo tema de Neil Diamond; unos personajes singulares bien desarrollados que mantienen unas conversaciones vívidamente intensas sirven a Tarantino para filmar una gran película como es esta. Aquí el trailer.

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"La mejor película de los 90's"